MOISÉS DE MIGUEL ANGEL

Es una escultura renacentista del siglo XVI (cinquecento)   y está en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Realizada en 1515.

  El tema es bíblico: el profeta Moisés, al regresar de su estancia de cuarenta días en el monte Sinaí, portando bajo el brazo las Tablas de la Ley para enseñárselas a los israelitas, contempla horrorizado cómo éstos han abandonado el culto de Jehová y están adorando al Becerro de Oro. El modelado es perfecto; Miguel Angel ha tratado el mármol,como si fuera la más dócil plastilina. El estudio anatómico es de un naturalismo asombroso. El mármol blanco pulido deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues donde juegan luces y sombras dando a la figura volumen. se estructura en un eje vertical desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos. Existe un ligero contrapposto marcado por el giro de la cabeza y la simétrica composición entre brazo izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así como pierna izquierda hacia fuera y derecha hacia dentro. Las líneas rectas quedan dulcificadas y compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que forma la larga y ensortijada barba hasta el brazo izquierdo, y la iniciada en el brazo derecho estirado hasta la pierna izquierda. 

 Con esta compleja composición, el artista sugiere el movimiento en potencia; los músculos están en tensión, pero no hay movimiento en acto. Consigue que este coloso no resulte pesado. Capta el instante en que Moisés vuelve la cabeza y va a levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su pueblo. Esta ira, la "terribilitá", que le embarga se expresa en su rostro, que se contrae en un gesto ceñudo. Miguel Angel abandona los rostros serenos de su primera época y opta por una expresividad acentuada, anuncio del Barroco. Moisés está lleno de vida interior. Posiblemente sea producto no sólo de su propia evolución personal, sino también de la influencia que sobre él ejerció el descubrimiento del grupo helenístico del Laocoonte.

 

Miguel Ángel- La tumba de los Médicis

La obra ante la que nos encontramos se halla en Florencia. Cabe destacar que tanto el arquitecto del edificio como el constructor de las esculturas fue el célebre Miguel Ángel; el cual practicaba muchas artes, aunque se consideraba ante todo escultor- Este escultor se formó en la corte de los Médicis; de ahí el encargo de este edificio.

Situada en la sacristía nueva de la iglesia de San Lorenzo, estaba prevista para albergar los últimos cuatro gobernantes Médicis, aunque sólo se cocluyeron los monumentos de dos familiares (Giuliano y Lorenzo); situados uno enfrente de otro en los laterales, y dos tumbas más para otros miembros de la familia: y Lorenzo II. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luzTerminó además, una Virgen con Niño. (que es símbolo de vida eterna y está flanqueada por las estatuas de san Cosme y san Damián) para la capilla.

Podemos ver la integración perfecta con la arquitectura(rasgo del manierismo).
El sepúlcro de Giuliano constituye una alegoría de la vida activa, se representa como un guerrero, un gobernante con un bastón de mando. Las estatuas sobre el sepulcro representan el día (A la derecha), esculpido como un hombre corpulento, desperezándose. A la izquierda está la noche; representada como una mujer madura, tiene como simbolo nocturno, una lechuza. Las posturas de las cabezas son una tendecia del manerismo.

El sepulcro de Lorenzo, representa la vida contemplativa, el intelectual, meditando).
La aurora re presenta una mujer joven y la vida valiente, mientras que el crepúsculo es representado por un anciano con un rotro sin pulir.
Las esculturas forman una composición triangular, estan sostenidas sobre frontones partidos, con forma semicircular y acabados en volutas.

David de Donatello

Esta imagen que vemos a continuación se corresponde con una escultura, podemos decir que se trata del David de Donatello, escultor del Quattrocento. Se trata de escultura de bronce de 158 cm de altura. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia .Actualmente se encuentra en el Museo del Bargello.

Es una obra representativa del quattrocento italiano y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.

El escultor nos representa al joven héroe bíblico concebido como si de una escultura del mundo griego se tratara, ya que lo muestra sin ropa, valorando el cuerpo desnudo como portador de belleza, concepto claramente clásico pues el tema no lo requiere, igual que la valoración de la belleza formal por encima de la temática, que en la Edad Media había quedado relegada al primar los valores expresivos sobre los externos, tratándose de una obra concebida también para el goce estético. Algunos autores ven en esta escultura una cierta evocación de la elegancia del gótico internacional unida a los nuevos valores estéticos del mundo renacentista.

Esta obra constituye el primer desnudo de bulto redondo tras la desaparición del imperio romano. También es clásico el momento elegido para representarlo, ya que nos muestra al joven una vez que ha derrotado a su rival con la honda y le ha cortado la cabeza con su propia espada. Aparece relajado, sin tensión, dibujando un claro óvalo compositivo, cerrando las líneas con la espada apoyada en el suelo.

El modelo es claramente praxiteliano, tanto por el exagerado contraposto de su cuerpo como por el tratamiento anatómico blando, suave, casi femenino que caracterizaba la obra del maestro griego (particularmente evoca la estatua del “Apolo Sauróctonos”) y que Donatello representa en esta obra. Posee un ritmo suavemente ondulado, realzado por los brazos separados del cuerpo, uno sujetando la espada y el otro apoyado en el cuerpo, dando la sensación de relajación, de tranquilidad. La misma inflexión de las piernas evita cualquier tensión a la figura. Sólo la cabeza que está bajo el pie izquierdo del David nos recuerda lo ocurrido en el combate, así como una piedra que tiene el adolescente en su mano izquierda. David aparece representado con el pelo largo suelto, tocado por un sombrero (inspirado en los de paja de los campesinos de la Toscana) y calzado con una especie de sandalias que, junto con el sombrero rompen un poco el tratamiento formal de casi “sfumato” del cuerpo, contrastando plásticamente con él.

El tema del David es muy querido en el Renacimiento, ya que entre otras muchas lecturas, si se interpreta en clave neoplatónica hay que entenderlo como el triunfo de la inteligencia frente a la fuerza bruta representada por el gigante. Claro que hay autores que ven en esta representación una clara alusión a la victoria de Florencia sobre Milán al representar al joven vencedor ataviado con un sombrero típicamente florentino y al mostrar la espada de Goliat, que también simboliza a Milán. La inscripción que acompaña a la escultura refuerza esta tesis. Simboliza además perfectamente lo que significa el Renacimiento, es decir la reinterpretación del mundo clásico antiguo bajo un punto de vista cristiano.

La piedad, Miguel Ángel

La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.


Esta maravillosa obra es de bulto redondo, esto es, se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista es frontal.

Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.

Vasari dice de ella «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatigue, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la capilla de Santa Petronila del Vaticano.

Fue la primera vez que el artista aborda este tema iconográfico, luego repetido a lo largo de su vida con diversos tratamientos, que ponen de manifiesto su evolución artística y espiritual. La última de esta serie de Piedades sería la denominada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al caer enfermo y morir, y cuyo patetismo, que anticipa el barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásicamente renacentista de esta obra de juventud.

El artista contaba entonces veinticuatro años, había trabajado los dos últimos años en la realización de las figuras de la Virgen con el cuerpo de Cristo en las rodillas y el pulimentado de todos los detalles. Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después no haría más que seguir los impulsos de su arte como escultor, es decir, como refiere Vasari, quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra, en este caso el dolor de una madre que tiene sobre sus rodillas a un hijo asesinado, lo demás es cuestión de técnica y paciencia hasta descubrir las formas concretas.

El artista debió de sentirse muy orgulloso de esta obra puesto que es la única en que aparece su firma. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo»).


En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:

Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.
Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que esta lleno de vida y conmiseración
Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato"

San Marcos, Venecia

La Basílica de San Marcos es el principal templo católico de la ciudad de Venecia (Italia) y la obra maestra de la influencia bizantina en el Véneto. Se encuentra justo en el lado opuesto a la Fabbrica Nuova. Su construcción fue iniciada en 828 para guardar el cuerpo de San Marcos, traído desde Alejandría. Concebida como una prolongación del palacio ducal, al principio era de cruz griega, cúpula sobre crucero y brazos (5 cúpulas). Fue quemada en un motín en el 975 y reconstruida en el siglo XI por arquitectos y obreros de Constantinopla. Las obras se iniciaron probablemente en 1063, y el nuevo templo fue consagrado diez años después. En el s XIII se le añade un nártex cubierto con cúpulas más pequeñas que envuelve el brazo inferior de la cruz. Fue modificada también en los siglos XV y XVII.

Una ley de la República Veneciana imponía como tributo que los mercaderes afortunados, después de hacer negocios provechosos, hicieran un regalo para embellecer San Marcos. De ahí la variedad de estilos y materiales. San Marcos es un museo vivo de arte bizantino latinizado. Con su decoración intacta de mosaicos, parece más bizantino que las iglesias de Constantinopla blanqueadas por los turcos, o las de Salónica, ahumadas por los incendios.

Tiene planta de cruz griega, cinco cúpulas y decoración en mármol y mosaicos.

La fachada presenta nichos profundos de influencia occidental decorados con columnas y con mosaicos de oro del siglo XII. Los 4Caballos de San Marcos representan la fuerza estatal. En el siglo XV se le añaden los gabletes a los arcos del piso superior y chapiteles, por influencia del gótico europeo. La forma exterior de las cúpulas no coincide con la interior, parecen más grandes de lo que son en realidad. Fue pagada con el saqueo de Constantinopla.

INTERIOR: Presenta una leve elevación sobre el nivel de la plaza. Está toda ella decorada con mármoles orientales, esculturas, bronces, dorados, mosaicos, columnas y capiteles. No tiene la iluminación de Santa Sofía, pero destaca por la decoración que cubre la construcción de ladrillo, con mármoles, mosaicos de vidrio y oro en cúpulas y bóvedas. Nada más entrar, a la derecha se puede ver una pila en pórfido del siglo II y el baptisterio. En el altar hay un gran bloque de granito que sirve de mesa, traído de Tiro en el siglo XII, desde el cual y según la tradición habló Cristo a la multitud. Desde aquí hay una comunicación con la capilla Zen llamada así por el monumento funerario al cardenal Zen.

La basílica tiene tres naves. El presbiterio está limitado por el gran iconostasio de influencia bizantina, coronado con las siguientes estatuas: La Virgen, San Juan y 12 Apóstoles.

En la nave central, en el reverso del tímpano de la portada principal, hay un mosaico del siglo XIII que representa a Cristo, la Virgen y San Marcos.

Detrás del altar mayor se encuentra la Pala de oro (pala d’Oro), trabajo de orfebrería bizantina y veneciana realizado entre los siglos X y XIV. Este retablo fue confeccionado con esmaltes engastados en monturas de oro y plata adornadas con pedrería

LA PIEDAD DEL VATICANO

La piedad del Vaticano es una gran escultura que como su nombre indica se encuentra en el Vaticano.Es una de las obras más famosa de Miguel Ángel,artista que pertenece al renacimiento.

Es una obra hecha de mármol a finales del siglo XV.

Referente al tema podemos decir que es cuando Jesucristo es bajado de la cruz y lo coge María ,su madre.Deducimos por lo tanto que se trata de un tema religioso.

La composición tiene una forma piramidal equilibrada, expresando tranquilidad.El triángulo es la forma preferida para representar la divinidad.Los cuerpos tienen un tratamiento diferente, ya que el de Jesús aparece con un cuidado estudio anatómico en el que no se deja ver las marcas del sufrimiento.En cambio María aparece totalmente cubierta por los gruesos ropajes que dejan adivinar una musculatura y proporciones en principio superiores a las que corresponderían a su rostro.

El tratamiento del manto, cincelado con grandes cavidades, provoca contrastes de luz y sombra que realzan el valor plástico de la obra. Precisamente los rostros muestran una belleza idealizada.El rostro de maría no deja entrever ninguna mueca de dolor.

S.Pietro in Montorio

San Pietro in Montorio es una arquitectura cuyo autor es Bramante perteneciente a la etapa que ha sido denominada Renacimiento.

La obra es un encargo de los Reyes Católicos españoles que querian edificar un monumento de agradecimiento tras la unificación religiosa de España.

El material es la piedra y Bramante construyó un cilindro coronado con una cúpula sobre la cámara subterránea.Externamente está envuelto por una columnata circular de orden toscano.

Deducimos que el edificio es de clara inspiración clásica debido al entablamento con un friso de triglifos y metopas en las que las escenas aluden al martirio del santo.

Los elementos ornamentales son meramente arquitectónicos destacando en la parte superior del cilindro la alternancia de los nichos con el muro y del ornato de los mismos, ya que podemos contemplar unos rematados en veneras.

Se trata de una arquitectura única inspirada en los elementos dispares de la tradición helena y latina.

La primavera

La Primavera es una obra de Sandro Botticelli(1445-1510) que se ha interpretado en términos musicales: el episodio de la derecha con Céfiro persiguiendo a Flora, a la que sigue una Hora de la Primavera, se ha parangonado con un allegro; después con un andante melancólico, la figura central de la Venus vestida; en el siguiente episodio, la melodía parece variar, moviéndose como en un ritmo perpetuo, en las Tres Gracias, para llegar a un trillo muy acusado en las dos manos levantadas de este mismo grupo, y extinguirse, finalmente, como en un morendo, en el Mercurio que, en actitud relajada, señala el cielo.
También se puede considerar esta pintura como una alegoria del reino de Venus, interpretada según la filosofía neoplatónica: Venus = Humanitas, es decir, unidad, armonía, entre naturaleza y civilización. Hay quien ha vista una alegoría del amor entre Juliano de Médicis y Simonetta Cattaneo Vespucci, o de la muerte de ésta el 1476 (Simonetta cogida por la muerte -el Céfiro- y su renacer en el Elíseo). Incluso se puede ver la representación de los meses, desde el febrero (Céfiro) a septiembre (Mercurio).
S e trata de una pintura muy sugestiva en la que elementos incluso eróticos (Céfiro persiguiendo a Flora) se elevan hacia una espiritualidad refinada, melancólica, como en las Gracias desnudas bajo sus velos y donde, en la penumbra del bosque florido, las gráciles figures en su linealismo melódico, leve, adquieren verdaderamente una cualidad mítica, como de ensueño. Estas cualidades de ritmo, de sublimación del realismo, de misterioso y fascinante mensaje, justifican para una obra similar la frase de Leonardo: "la pintura es una poesía muda".
Botticelli posee los conocimientos de todos sus predecesores: perspectica, anatomía, construcción de la imagen humana y movimiento. No obstante, se sirve de mala gana de todo lo que ha aprendido y marca el principio de la crisis de la cultura florentina de finales del siglo XV. Es la crisis de la fe en el hombre y en su poder absoluto. En Botticelli todo esto se expresa por un temperamento sensual e ingenuo: todos los personajes parecen ángeles que tienen en el alma un sentimiento de abandono y de vacío, una tristeza de exiliados, una inefable melancolía. Parece retornar a la fe medieval y al estilo gótico.
La visión de Botticelli está centrada sobre las líneas de los contornos. En esta preferencia por las líneas más que por las masas y los colores reside su límite; pero constituye al mismo tiempo el motivo de su fuerza y de su gloria. La línea es el valor contemplativo de sus imágenes y de sus composiciones. Ella produce la síntesis de Botticelli; el resto es detalle. Porque, así como Leonardo quiere analizar y descubrir la realidad (quiere, por tanto, la experiencia), Botticelli quiere sobrepasarla, trascenderla (persigue, por tanto, la idea). Y la idea se encuentra más allá del tiempo. Si los signos ya no tienen que explicar la realidad, sino superarla, entran en crisis todos los factores de conocimiento positivo que se habían acumulado en la pintura florentina: desaparece la perspectiva como estructura del espacio, la luz como realidad física, la búsqueda de la masa y del volumen como concreción de las cosas y del espacio. Por ello la falta de perspectiva del alineamiento de los troncos paralelos o el bordado de hojas sobre el fondo de Primavera. Pero es precisamente en referencia a este fondo sin profundidad y a la cadencia de estas paralelas cómo adquiere valor el fluir de los ritmos lineales de las figuras, de la misma manera que las tenues transiciones de color adquieren valor con referencia al preciso recorte de las masas oscuras de los árboles sobre la claridad del cielo.

El Gattamelata

La escultura que podemos encontrar en la imagen se trata de bulto redondo, realizada en bronce en 1453 para la plaza de la basílica de San Antonio de Padua (Italia).El retrato propiamente dicho se levanta sobre una planta elíptica de bloques horizontales, isódomos perfectos, cuya unidad con el bronce los hace parecer unidos, como si hubiesen nacido conjuntamente.

El escultor Donatello se propuso con este ejemplo abandonar la típica estatua funeraria veneciana para erigir una semejante a las que Roma elevaba a sus emperadores. Se sabe que en su juventud, el escultor acompañado de su amigo Brunelleschi, visitó la ciudad de Roma donde conoció y estudió los principales monumentos y estatuas de la Antigüedad clásica. Allí se conservaba la estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio que sobrevivió a la Edad Media al ser confundido con el emperador Constantino, en cuyo mandato se publicó el Edicto de Milán, que legalizó el cristianismo, con lo que fue respetada y no fundida, como otros muchos ejemplos de la Roma pagana. Así el monumento romano sirvió de inspiración al escultor para realizar esta obra, con lo que se produce además de la recuperación de un tipo iconográfico (retrato ecuestre).

En la parte superior del monumento se representa al general en el momento de pasar revista a las tropas, conteniendo en su mano las riendas de un fogoso y vigoroso caballo tratado con un detallismo y realismo igual al del jinete. La montura aparece avanzando lentamente, lo que se refleja en el movimiento de sus patas, pese a lo cual el escultor cierra la línea compositiva de las patas del caballo colocando una bola en la pata delantera que estaba en el aire. La cabeza ligeramente ladeada o las crines de la cola recogidas, dotan a la composición de un efecto pausado, sereno y más o menos cerrado, como es de esperar en un estilo que como el Renacimiento aspira a reproducir los principios estéticos del mundo clásico.

El retrato representa al general con menos años de los que tendría en ese momento, aunque en su edad madura, en el que se refleja cierta influencia de la retratística romana, sobre todo en el porte, el ademán, acentuado por la vestimenta, la coraza, que nos remite a la serie de estatuas “toracatas” imperiales. Su rostro muestra la dignidad del retrato romano, desafiente, adusto, enérgico.

Movimiento y tensión contenidos dominan en la composición, como si en todo el conjunto se quisiera mostrar una mezcla entre la dignidad antigua y un cierto sentido de control, de alguien que supo manejar las riendas de diversas situaciones y guiar firmemente su destino.rni, dictador de Padua. El conjunto fue pensado como monumento – tumba, de ahí la cámara funeraria que ocupa la parte central. El escultor Donatello se propuso con este ejemplo abandonar la típica estatua funeraria veneciana para erigir una semejante a las que Roma elevaba a sus emperadores. En la parte superior del monumento se representa al general en el momento de pasar revista a las tropas, conteniendo en su mano las riendas de un fogoso y vigoroso caballo tratado con un detallismo y realismo igual al del jinete. La montura aparece avanzando lentamente, lo que se refleja en el movimiento de sus patas, pese a lo cual el escultor cierra la línea compositiva de las patas del caballo colocando una bola en la pata delantera que estaba en el aire. La cabeza ligeramente ladeada o las crines de la cola recogidas, dotan a la composición de un efecto pausado, sereno y más o menos cerrado, como es de esperar en un estilo que como el Renacimiento aspira a reproducir los principios estéticos del mundo clásico.

El retrato representa al general con menos años de los que tendría en ese momento, aunque en su edad madura, en el que se refleja cierta influencia de la retratística romana, sobre todo en el porte, el ademán, acentuado por la vestimenta, la coraza, que nos remite a la serie de estatuas “toracatas” imperiales. Su rostro muestra la dignidad del retrato romano, desafiente, adusto, enérgico.

Esta estatuta pertenece al Renacimiento en concreto a la etapa del quattrocento que se inicia con difusión del Humanismo, sobre todo en la corte florentina, con los Médicis. El desarrollo urbano tiene como consecuencia la concepción del arte para la burguesía como medio de expresar grandeza y prestigio. La función del arte ya no es sólo religiosa sino también se busca la belleza formal por lo tanto se pasa del artesano medieval al genio artista creador.

La cúpula de Sta.María dei Fiore.

La imagen que nos encontramos se trata de la cúpula de Santa María dei Fiore( Santa María de Flores) perteneciente al arte Renacentista en conreto a la etapa del quattrocento. Este periodo se caracterizó porque se inicia la difusión del Humanismo, sobre todo en la corte florentina, con los Médicis y porque artísticamente se abre con el concurso en el 1.401 para las segundas puertas del batisterio de Florencia. Concretamente el autor de esta obra,Filippo Brunelleschi(1.377-1.446), muestra el hecho drmático.

En cuanto a la imágen es su obra más famosa y más controvertida. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia.La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin terminar ya que se encontraba sin abovedar el crucero.

Por la altura del edificio, la cúpula no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.

La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de madera, que más adelante se recubrió con mármoles, en el cual se abrieron ventanas circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.

En cuanto a su manera de edificar este arquitecto se basa en las matemáticas,la geometría( es decir proporción,canon y relación entre las partes y el todo). También toma modelos y métodos clásicos con lo que trata de emular a los clásicos pero no de copiar.

Por lo que respecta a las condiciones socioculturales de la época renacentista cabe destacar: que se produjo un desarrollo urbano ya que la burguesía concibe el arte como medio de expresar grandeza y prestigio. Por lo tanto la función del arte ya no es sólo religiosa sino se valora la belleza formal. El artesano medieval pasa a genio artista creador, es decir su labor está mucho más considerada.

Por otro lado es la época de los descubrimientos geográficos y la invención de la imprenta, difunde la cultura y arte a través de grabado esto ayuda al descubrimiento de la filosofía antigua: el Humanismo, de la naturaleza:matemáticas,anatomía etc.

San Andres de Mantua

Esta iglesia está realizada por Leo Battista Alberti. Pertenece al Renacimiento Italiano y esta realizada por encargo de Ludovico Gonzaga, duque de Mantua.
DESARROLLO Esta iglesia se compone de una planta de cruz latina formada por:-Una nave cubierta por bóveda de cañón
-Transepto también abovedado, con cúpula sobre pechinas en el crucero
A ambos lados de la nave 6 capillas que se abren a ella mediante vanos alternativamente anchos y altos y bajos y estrechos: estas capillas contrarrestan el peso de la bóveda de la nave central.
La fachada: El proyecto presentaba un cuerpo rematado por frontón para el pórtico de acceso y otro cuerpo posterior también rematado por frontón.
Está organizada y articulada por elementos arquitectónicos, combinando columnas de dos tamaños.
Finge pisos en los laterales.
La basílica de Brunelleschi se ha transformado, se aboveda íntegramente y las naves pueden aumentar sus dimensiones y por tanto su grandiosidad y monumentalidad.

David de Miguel Angel.

Obra de Miguel Angel.
Escyltura. Se encuentra en la Galería de la Academia. Florencia (Italia)
Renacimiento italiano. Cinquecento. Escultura en bulto redondo. 4,34 metros de altura.Obra realizada sobre mármol, mediante cincel. El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra. Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura. El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat. La figura muestra, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal: la musculatura son claramente perceptibles. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza (no sólo ni mayormente física) del rey David. Tales rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza (cuyo canon corresponde a 1/8 del total del cuerpo) y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra, arma que el rey empleará para derrotar a Goliat.

PALACIO RUCELLAI

Su autor es León Battista Alberti. Se data en 1446, cuando el comerciante florentino Giovanni Rucellai encargó a Alberti el proyecto y construcción del palacio que lleva su nombre. Esta situado en Florencia.
-Lo extraordinario del palacio es su fachada. El parámetro de los muros es almohadillado, de distinta traza en cada uno de los cuerpos.
El ritmo de la fachada se consigue gracias a la superposición de ordenes: pilastras dóricas en la planta baja, jónicas en el primer piso y corintias en el segundo, siguiendo el modelo del coliseo romano.
El edifico se estructura en pisos:
• El zócalo, en la zona inferior, dispone de un banco corrido en el que esperarían los clientes de la familia.
• La planta baja era la zona pública del palacio, donde se situaban las salas dedicadas a las actividades económicas de la familia.
• El primer y el segundo pisos constituían la zona privada, dedicada a la vivienda de la familia.
• El edificio se remata con una cornisa que sustituye a los aleros medievales aunque observamos resquicios góticos en las ventanas bíforas.
El interior se disponía en torno a un patio o cortile, lo que se convertía en una característica típica de los palacios florentinos. El patio está rodeado de un pórtico de columnas corintias. Su función era proporcionar luz a las habitaciones interiores.
En este palacio observamos bien todas las características del palacio del Quatrocento: importancia de la fachada, para simbolizar el poder de la familia que habitaba en el, organización en torno al patio, sensación de horizontalidad gracias al uso de frisos marcando los pisos, utilización de elementos clásicos y sensación de orden y simetría conseguida por la repeticiones de elementos y las proporcione entre estos.
Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones

Basílica Santa María de los Ángeles. Brunelleschi

La Basílica de Santa María de los Ángeles (en italiano, Basilica de Santa Maria degli Angeli) es una iglesia situada en la llanura a los pies de la colina de Asís (Italia), en la frazione de Santa Maria degli Angeli.

La basílica se construyó entre 1569 y 1679 encerrando a una pequeña iglesia del siglo IX, la Porciúncula, el lugar más sagrado para los franciscanos. Fue aquí donde el joven Francisco de Asís encontró su vocación y renunció al mundo para vivir en la pobreza entre los pobres y comenzó el movimiento franciscano.

Después de la muerte de san Francisco en 1226, los frailes construyeron varias pequeñas cabañas alrededor de la Porciúncula. En 1230se añadieron un refectorio y varios edificios auxiliares. A lo largo del tiempo se fueron sumando pequeños pórticos y alojamientos para los frailes alrededor de la Porciúncula. Algunos cimientos de estas construcciones quedaron al descubierto durante las excavaciones bajo el suelo de la actual basílica entre 1967 y 1969.

Conforme vastas cantidades de peregrinos se acercaban a Así para recibir el «Perdón de Asís»,¹ el pequeño espacio de la Porciúncula fue completamente inadecuado para albergar a todos estos peregrinos. Creció la necesidad de construir una iglesia que incorporara la Porciúncula. Los edificios alrededor del santuario se demolieron por orden del papa Pío V (1566-1572), excepto la Capilla del Tránsito, la celda en la que había muerto San Francisco. La construcción de la basílica comenzó el 25 de marzo de 1569.

Esta majestuosa iglesia, la 7.ª en tamaño de la Cristiandad, fue diseñada en un marcado estilo manierista prefigurando el Barroco por dos famosos arquitectos, Galeazzo Alessi yVignola. La obra progresó lentamente, debido a la constante falta de dinero, pues el edificio se financiaba con donaciones. La notable cúpula, que descansa sobre un tambor octogonal con ocho ventanas y cornisas, se acabó en 1667. La construcción de la iglesia finalmente acabó en 1679. Se añadió un campanario en 1684. Se pretendió al principio que tuviera otra torre idéntica, pero nunca se construyó.

El 15 de marzo de 1832 la nave central, una parte de una nave lateral y el coro se cayeron durante un violento terremoto. La cúpula evitó la destrucción, pero quedó con una amplia grieta. El ábside y las capillas laterales quedaron en pie. La reconstrucción de la basílica comenzó en 1836 por el arquitecto Luigi Poletti y se acabó en 1840. Remodeló la fachada en un estilo neoclásico. Entre 1924 y 1930 se devolvió a esta fachada su estilo pre-barroco original por Cesare Bazzani. La estatua dorada de la Madonna degli Angeli («Virgen de los Ángeles»), obra del escultor Colasanti, se colocó en la parte alta de la fachada en 1930.

El 11 de abril de 1909, la iglesia fue alzada por el papa Pío X al rango de «basílica patriarcal y capilla papal».

La basílica tiene una planta rectangular, dividida en una nave central y dos laterales, flanqueadas por diez capillas laterales, con untransepto en el extremo, y un largo coro en un ábside semicircular, destacando de la planta. La Porciúncula queda situada directamente debajo de la cúpula. La iglesia tiene 126 metros de largo, 65 de ancho y la cúpula tiene 75 de alto.

El interior es simple pero elegante, con pocas decoraciones, en claro contraste con las capillas laterales. La nave y los pasillos laterales se reconstruyeron en estilo dórico neoclásico por Luigi Poletti. El ábside alberga un precioso coro de madera, tallado por los hermanos franciscanos a partir de 1689, la cátedra papal (con bajorreliebes de E. Manfrini) y el altar papal. La capilla del tránisto, la celda en la que murió san Francisco, aún se conserva. Está situada bajo el coro, contra las columnas de la derecha de la cúpula.

Las capillas laterales estaban decoradas por grandes artistas de varios periodos, incluyendo a Antonio Circignani (todas las pinturas de la capilla de Santa Ana, 1602-1603), Francesco Appiani (capillas de san Antonio y san Pedro in carcere, 1756–1760), Ventura Salimbeni(capilla del traslado del Señor, 1602).

Comentario del palacio Rucellai. Alberti.

La imagen que vemos a continuación se trata de una arquitectura; si concretamos podemos decir que se trata de un palacio. En aquellos tiempos el palacio formaba parte del contexto urbano y habían perdido su originalidad a favor de la habitabilidad y el deseo de reflejar el nivel social y el status de sus propietarios.

Se trata por tanto del palacio Rucellai una arquitectura renacentista ubicada en Florencia, Italia.
En cuanto a su fachada, ésta presenta un color marrón. Está realizada con mampostería de arenisca,un material pobre. Se encuentra estructurada en tres pisos: En el piso inferior encontramos pilastras de orden toscano que dividen la superficie en espacios en los que se abren las dos portadas. Los arcos de los vanos que se alinean en vertical con las puertas son ligeramente más amplios que los otros y están además rematados por los escudos elegantemente esculpidos sobre las ventanas del primer piso. El primer y el segundo piso cuentan con pilastras de orden jónico y corintio, entre ellas aparecen ventanas con parteluz enmarcadas en arco de medio punto. Los tres órdenes hacen pensar de modo bastante claro en la estructura del Coliseo de Roma. La parte superior del palacio está rematada por una cornisa que sobresale poco. También la mampostería con conchas se inspira en la arquitectura romana, como en el motivo de la basa imitando el opus reticulatum.

Sobre el interior podemos decir que la distribución del conjunto partía del tradicional palacio florentino, el patio estaba planteado como un espacio porticado con columnas de orden corintio que respetan la posición de las pilastras exteriores de la planta baja, en su interior debían convivir el ámbito residencial y el laboral.

En esta arquitectura encontramos que la belleza de las proporciones se antepone a la ostentación.

Esta obra está encuadrada dentro del periodo cultural del Renacimiento. En este periodo se vuelve a los ideales clásicos y el Humanismo adquiere un gran valor y simbolismo. Dentro de la cronología de este periodo, esta obra la podemos ubicar dentro del Quattrocento, que se inicia con la difusión del humanismo, sobre todo en la corte florentina, con los Médicis.

El palacio fue construido entre 1446 y 1451 por Bernardo Rossellino, siguiendo un diseño de Leon Battista Alberti. La fachada se terminó cuando ya estaba terminado todo el interior hacia 1465. Fue encargado por Giovanni Rucellai, miembro destacado de la familia Rucellai; el palacio urbano era el tipo de vivienda de la rica aristocracia financiera y comercial de Italia desde el siglo XIII.El años clave de Alberti fue el 1434, cuando viajó a Florencia y sintió la influencia de la ciudad en él.

Estudió a Vitrubio acerca de antigüedad y lo contrastó con las ruinas in situ y comprobó que había numerosas contradicciones acerca de la proporción, fue capaz de desarrollar un nuevo sistema de proporciones coherentes. Alberti no solo destacó en la arquitectura, destacó como atleta, dramaturgo, organista, pintor y estudioso de las matemáticas y la física. La principal contribución al arte del humanista Alberti son sus estudios y escritos recopilados en tratados donde se recogen las teorías artísticas del momento.

En las fuentes clásicas buscó la perfección, la armonía y la belleza. Durante años estudió y midió los monumentos romanos, que le seducían especialmente, y de ellos extrajo las leyes sobre las proporciones y la perspectiva que plasmó en sus tratados dedicados a la pintura, la arquitectura y la escultura.

"El Nacimiento de Venus" de Botticelli

La presente pintura que se nos presenta se trata del Nacimiento de Venus cuyo autor es Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia,1 de Marzo de 1445 -Florencia el 17 de Mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli.Posiblemente fue un encargo de la familia Médici.En la actualidad se encuentra en la ¨Galería de los Uffizi¨(Florencia).

Este cuadro fue pintado entre 1482 y 1484.Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea.La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

En cuanto a la técnica utilizada en este magnífico cuadro es el temple sobre el lienzo.Este cuadro posee una estructura piramidal,y el personaje central es el que capta toda la atención y hacia él convergen el resto de figuras.

Los personajes son ligeros,esbeltos,sinuosos y sensuales y nos da una sensación de ingravidez.Posee una gran amalgama de colores claros que va desde el rojo a tonos azules,marrones claros...

Podemos decir que le tema principal es la belleza como un ideal inalcanzable,algo que pertenece al mundo de las ideas pero no en el mundo real.

En el centro de la pintura encontramos a la diosa desnuda sobre una concha.Su concepción anatómica nos revela un alto grado de idealización(cuello demasiado largo y hombros demasiados estrechos).Su posición de equilibrio es el contraposto.Todo la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza solitaria,acorde con la belleza de la diosa.

El dibujo lineal de los contornos,tanto en la figura como en el paisaje nos ayuda a distinguir con nitidez la figura del fondo y a la vez la estiliza y suaviza.

La luz del cuadro es uniforme en casi toda su superficie sin claroscuros.

La formación de Botticelli juanto a Filippo Lippi tuvo una importante influencia en su obra de temática religiosa.Sin embargo,Botticelli tomará su propio camino marcado por la obsesión de plasmar con toda la vehemencia posible la belleza ideal,y por todo ello el naturalismo no fue una meta en su pintura.Fue un pintor influenciado por las teorías neoplatónicas.