Doríforo

Descripción: Es una escultura griega que se encuentra en el Museo Archeológico Nazionale (Nápoles). Su autor fue Polícleto. Su estado de conservación es bueno.

Aspectos materiales y técnicos: La obra original fue realizada en bronce, la copia romana en mármol. La composición de la escultura ha sido ejecutada mediante un cálculo preciso de proporciones, dimensiones y líneas que constituye, para el autor, el canon anatómico perfecto, según el cual la altura total debe ser equivalente a siete veces la cabeza. 

Análisis formal: Polícleto establece un sutil juego armónico entre las distintas partes del cuerpo para conseguir un equilibrio, conocido como contrapposto. El autor consigue así una interesante contraposición entre lo dinámico y lo estático, porque mantiene el torso en tensión al mismo tiempo que marca la elevación de la cadera derecha y flexiona la pierna izquierda, produciendo el efecto contrario en sus hombros. En el modelado, el cuerpo presenta más trabajo en el torso, en el que se marcan claramente las líneas principales de la musculatura. En la cabeza se aprecia una mayor voluntad naturalista en cuanto a la captación del gesto y la distribución plástica del pelo.

Comentario: Esta escultura representa a un atleta en actitud de reposo instantes antes participar en su prueba de lanzamiento. La imagen resume perfectamente el ideal antropológico de los griegos de la época clásica: el hombre en plenitud juvenil preparado y capacitado para participar en los juegos, en un equilibrio perfecto entre vigor físico e inteligencia, destreza y voluntad, es decir, en armonía con los espirituales. 
Para representar el equilibrio y la armonía, las proporciones físicas siguen perfectamente el canon marcado por el artista, además, el rostro debe estar dividido en tres partes iguales: la zona de la frente, la situada entre la frente y la punta de la nariz, y la que va desde la nariz hasta el mentón. En cuanto a la actitud mental o psicológica, no se percibe un gesto de orgullo ni de vanidad en el atleta, lo cual se consideraba reprobable en la mentalidad de la época, sino que presenta el gesto sereno de quien mantiene la excelencia ética de su éxito.

Restauraciones o modificaciones: Como se menciona anteriormente, esta obra es una copia en mármol romana de la griega de bronce. Se conserva muy bien.

Laocoonte y sus hijos.

 

   Descripción: Esta escultura que tuvo como autores a Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas; se localiza en los Museos Vaticanos de Roma. El tema de la obra es la mitología y su estilo es de la grecia helenística. Se esculpió entre los siglos III-II a.C.

    Aspectos materiales y técnicos: Esta obra está originalmente hecha de bronce y esta es una copia romana de mármol. Se presenta de manera frontal. Se muestra la figura del sacerdote que lucha por liberarse de las serpientes mientras que sus hijos parecen no tener la fuerza suficiente para escapar.

   Análisis formal: Las figuras se organizan a partir de la pirámide que dibujan las tres cabezas de los personajes, coincidiendo la cabeza del Laocoonte con el vértice superior. También se contempla una diagonal que cruza todo el grupo bajando desde la parte superior izquierda. El movimiento escultórico se ve reforzado por el dinamismo de las serpientes, que son el nexo de unión entre las figuras y la sensación de tensión que mantienen los cuerpos. Éstos, exageradamente trabajados en su musculatura para su edad muestran la perfección anatómica sobre todo en el Laocoonte, característica del periodo clásico. Por el contrario posee caracteísticas que la hacen indispensable del periodo helenístico, como son: el idealismo, la capacidad de representar las emociones humanas y que rompe con los canones de equilibrio y serenidad del anterior periodo. Los autores se fijan en la perfecta captación del sufrimiento de los personajes reflejadas en sus rostros. Aquí cabe destacar al Laocoonte con el realismo consegidoen la expresión del dolor con la frente arrugada y la boca abierta.

   Comentario: Según el mito de la guerra de Troya, el sacerdote troyano Laocoonte advirtió a los ciudadanos que no se fiaba del caballo de madera (lleno de soldados griegos) ofecido al dios Poseidón por los griegos en su supuesta retirada. Después dos serpientes salieron del mar y lo mataron junto a sus dos hijos. Los troyanos interpretaron esto como un castigo divino e introdujeron al caballo en la ciudad tal y como Sinón,un espía griego, les dijo avanzándoles que era un regalo de la diosa Atenea y si no lo aceptaban Troya sería destruida. Sobre la muerte del Laocoonte existen dos versiones: la primera un castigo de Apolo por haberse casado en contra de las órdenes del dios, y la segunda es la ya explicada. Los grupos escultóricos estaban pensados para decorar casas importantes como la Domus Áurea de Nerón en este caso. Cabe añadir que de los autores no se sabe mucho salvo que eran padre e hijos respectivamente y estaban grabados en uno de los grupos similar al Laocoonte. Otra datada en la misma cronología de esta es la famosa Victoria de Samotracia.

   Restauraciones o modificaciones: Como se menciona anteriormente esta obra es una copia en mármol romana de la griega de bronce. Se conserva muy bien con todos sus elementos constituyentes.    

El Discóbolo De Mirón

El Discóbolo De Mirón

El Discóbolo, creado por el artista griego Mirón en el siglo V A.C., es una de las obras más admiradas de la Antigüedad. Era un bronce hecho durante el período clásico alto del arte griego y mide aproximadamente 1,60 metros de altura.Aunque el original ya no existe, se han conservado célebres reproducciones romanas en mármol.

 Se trata de un bloque abierto con clara ruptura de la ley de la frontalidad (aunque con un punto de vista preferente, precisamente el lateral). Mirón se plantea una doble misión en la composición, crear un movimiento armónico. Para ello, en una novedad sin precedentes, utiliza diagonales dobles que se contrapesan entre sí, creando dinamismo en las distintas partes del cuerpo que, en el conjunto, se armoniza al contraponer movimientos contrarios (De la misma manera juega con curvas contrapuestas).El modelado de la escultura resulta un tanto plano (especialmente en el pelo y los músculos), que no permite excesivos claroscuros (aunque en el bronce original generaría probablemente otra sensación, haciendo resbalar la luz).La belleza, por tanto, se expresa de una forma racional, conectando el arte al hombre, como es típico en esta sociedad griega de carácter antropocentrista en donde el hombre es la medida de todas las cosas, al contrario de lo que sucedía en las artes arcaicas.

Aún con esto, el Discóbolo se convertirá rápidamente en un símbolo de lo clásico (tanto por su ruptura de la frontalidad y su atrevida composición, como por la novedad del tema, alejada por completo de cualquier contenido religioso, perfecta representación del ideal del hombre cultivado por el mundo clásico), tal y como demuestra la existencia de numerosas copias que realizaron los romanos para adornar sus propias residencias. De la misma manera la consideraron en el arte del Renacimiento

El Doríforo

El Doríforo es una escultura griega de etapa clásica pero aún mantiene algún resabio de arcaísmo: está tallado con rudeza, los pectorales son planos y las líneas de la cintura y de la cadera están muy marcadas. Introduce la técnica del contrapposto recayendo el peso sobre una pierna y la otra apenas toca el suelo con la punta del pie, y flexiona la rodilla hacia atrás. La tensión que genera esta descompensación se compensa con ligeras inclinaciones en la pelvis y en los hombros.

Es la encarnación más pura del prototipo del cuerpo viril perfecto, de elegancia austera, sin formas hercúleas ni amaneramientos. Sosegado, avanza seguro de sí mismo, una pausa momentánea une la estabilidad al sentido del movimiento en potencia.

Condiscípulo de Mirón y contemporáneo de Fidias, pertenecen al Estilo Sublime del periodo clásico griego. Fue escultor -sobre todo broncista- y un gran teórico: fijó la proporción, el ritmo y la simetría del cuerpo humano en un canon que se relaciona con este Doríforo (el portador de la lanza). El Doríforo da forma a la máxima aspiración de los escultores griegos, que era la perfecta proporción dentro de un ideal naturalista. El sistema de proporciones del Doríforo se basa en la aplicación de sencillas y antiguas relaciones o módulos aritméticos, como la altura total determinada por 7 cabezas. El factor numérico juega, por tanto, un papel decisivo en la expresión rítmica de la simetría. La belleza se traduce en armonía de las proporciones.

El Apoxiómeno de Lisipo.

La imagen que vamos a comentar e trata del Apoxiómeno. Su autor es el escultor Lisipo. Es una escultura, individual y exenta, el original en bronce, en este caso una copia romana tallada en mármol. Lisipo debió trabajar en el Apoxiómeno aproximadamente hacia el 330-320 a.C.

La obra pertenece al arte griego, en concreto al período clásico s. IV a. C. El Apoxiómeno es la estatua de un atleta, representada en un momento nada heroico, no es la representación de un atleta victorioso. Los atletas competían con el cuerpo cubierto de grasa y una vez terminada la competición tenían que quitarse el polvo que se les había adherido al cuerpo, cosa que hacían por medio de la strigilis (barra que les permitía el raspado). El nombre Apoxiómeno significa precisamente "el que se quita el aceite". Esta estatua nos ofrece aal atleta en una actividad cotidiana y no con la gloria de los vencedores.

El atleta se encuentra de pie, desnudo, su tamaño es parecido al natural (2,05 m.). Nos transmite una primera idea de mayor esbeltez. El atleta tiene los brazos elevados a la altura de los hombros, y el izquierdo parece que porta una barra, que se desliza por la parte anterior del brazo derecho. La pierna izquierda, claramente separada de la derecha en la visión frontal, lleva un apoyo, y la izquierda que permanece rígida, una columna en la parte posterior. El atleta mira hacia la lejanía, y su cabeza, de cabello rizado, rasgos pequeños, rostro expresivo, se encuentra inclinada y girada. El atleta se apoya claramente sobre una pierna, pero la otra se encuentra desplazada hacia uno de los lados y recibe una parte apreciable del peso distribuido. Uno de los brazos se dobla y el otro está estirado, pero se dirige hacia delante tan tenso como el otro. Desaparecen las rígidas divisiones en planos y volúmenes puros del Doríforo, para conseguir un cuerpo más flexible y ligero. El modelado es más suave, largas y finas piernas aparecen dispuestas como en un paso de danza.

Lisipo codifica y crea un nuevo Canon de proporciones ideales (la cabeza 1/8 parte del cuerpo), el resultado es un cuerpo más esbelto, con sus extremidades más alargadas y la cabeza pequeña. Así la figura nos parece más alargada y el cuerpo menos atlético.

El Apoxiómeno representa el final del periodo clásico. El idealismo clásico se ve amenazado por una nueva concepción del hombre, de su lugar en el mundo, y pone de manifiesto el cambio que se está operando en el modo de concebir la vida. Ya no es un atleta triunfador, coronado, sino que aparece en una función cotidiana, nada heroica. Los valores grandiosos, la exaltación del hombre, va dejando paso a una concepción más pesimista. 

DISCÓBLO DE MIRÓN

La imagen que vamos a comentar es el Discóbolo cuyo autor es Mirón,perteneciente al siglo V a.C. El estilo de esta obra es del griego clásico, su ténica es la fundición y su material es el bronce, mide 1,55 metros de altura.


Mirón representa el cuerpo en el momento de su máxima tensión y esplendor; ese esfuerzo no se refleja sin embargo en el rostro de la estatua, que muestra solo una tenue concentración. La torsión del cuerpo es vigorosa, pero al mismo tiempo armoniosa y delicada. Todo el cuerpo está echado hacia delante, para producir con el balanceo posterior el impulso necesario para poder lanzar el disco.
Como ocurre con la mayor parte de las esculturas griegas más importantes, no se ha conservado la obra original, seguramente realizado en bronce, aunque su forma se conoce gracias a varias copias en marmol talladas en epoca romana. De entre estas copias, la primera descubierta en época moderna (1781) es conocida como Lancelotti, y proviene de la

propiedad de la familia Massimo. Actualmente se encuentra en el Museo Nacionale Romano , en su sede del Palazzo Massimo alle Terme, al igual que el Discóbolo de Castelporziano.
Hay quien interpreta que la figura representa a un amado de Apolo, el héroe  (Jacinto), a quien el dios habría matado de forma involuntaria con un disco. Después, con su propia sangre habría creado la flor del mismo nombre. 

Guerreros de Riace - 03 Arte Griego

La imagen que vamos a comentar es una escultura, Querreros de Riace, perteneciente al arte griego clásico y de autor desconocido.
Su material es bronce a la cera perdida , su tema es guerrero y su localización se encuentra en el Museo Nazionale di Reggio di Calabria (Italia).
Ambas esculturas representan dos hombres desnudos en una posición erguida y frontal similar. Después de su fundición en bronce, se añadieron pequeños detalles realistas con otros materiales, de plata u ojos de marfil.
A pesar de la frontalidad de sus cuerpos, el artistas logra romper el hieratismo propio de la escultura del periodo arcaico mediante un ligero contrapposto, consiste en el contraste producido entre una parte del cuerpo tensa y otra distendida, derivada de la leve ascensión de una de las caderas y la flexión de la pierna contraria.
El modelo de los cuerpos de ambas esculturas presenta un alto grado de conocimiento de la anatomía humana, representado con sumo realismo los músculos , tendones, y vena y, sugiriendo así una mayor naturalidad en el conjunto.
Ambas esculturas fueron encontradas en 1972, a siete metros de profundidad entre los restos de un naufragio y cerca del pueblo de Riace, situado a 4 km del mar Jónico, al noroeste de la provincia de Reggio di Calabria. Su particular ubicación se relaciona con el hundimiento de un barco cuyo destino debió ser la Magna Grecia , es decir las colonias del sur de Italia.
Otras versiones apuntan a que representan a los guerreros Tideos y Amfiarao, relacionados con la guerra de Tebas. También han sido identificados con Cástor y Pollux, hijos de Zeus.

Doríforo.

Se trata de una escultura griega esculpida por Policleto durante el 430 a.C. El la obra original, se utilizó bronce, pero las copias que se conservan son de mármol. Esta obra se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

La escultura, representa a un joven atleta que anteriormente sostenía una lanza que se perdió. Por el peso del mármol, y la particular posición de la escultura, necesita de un soporte para que se mantenga en pie.

El autor, ejecutó de una manera peculiar la escultura ya que al tener flexionada la rodilla hacia atrás, la cardera se inclina y hace un contrapeso por el cual consigue el equilibrio. A esto se le llama contrapposto. Al mismo tiempo, el autor busca el canon perfecto al medir la escultura siete veces la cabeza y al tener las líneas del abdomen perfectamente marcadas, aunque en la cara busca el naturalismo. También el rostro queda dividido en tres partes iguales: la frente, de la frente a la nariz, y de la nariz a la barbilla.

El atleta se encuentra en reposo antes de comenzar en la prueba de lanzamiento. Los griegos querían reflejar con esta clase de esculturas la capacidad que tenía un joven para participar en los juegos. Pero no se puede observar gestos de orgullo ni de nada, lo que mantiene la ética de su éxito. 

El Doríforo

Esta obra es el Doríforo de Policleto. Condiscípulo de Mirón y contemporáneo de Fidias, recibió las enseñanzas de Agelades. Fue, a la vez que escultor, un gran teórico: fijó la proporción, el ritmo y la simetría del cuerpo humano en un canon que se relaciona con el Doríforo (el portador de la lanza). Esta obra escultórica es una de las más representativas del período Clásico del arte griego (siglos V-IVa.C.), período que se caracterizó por las tensiones socio-políticas entre las formas de gobierno democráticas y las aristocráticas. Artísticamente, esta tensión se observó en una evolución progresiva hacia el naturalismo. La obra original se realizó a mediados del siglo V a.C. (440-430 a.C.) aunque la obra que estamos analizando se trata de una copia posterior, realizada en época Helenística. Se trata de una estatua de tema atlético, este fue un encargo de una clientela aristocrática para ofrecer a los santuarios. 
El Doríforo aún mantiene algún rasgo del arcaísmo: está tallado con rudeza, los pectorales son planos y las líneas de la cintura y de la cadera están muy marcadas. Introduce la técnica de la gravitación sobre una pierna. Su postura en contrapposto estaba más acentuada, es un recurso que ha sido utilizado en muchas ocasiones a lo largo de la historia del arte, por ser tan útil para infundir un sentido de vitalidad a figuras hechas de piedra, de bronce o bien pintadas.  Representa el cuerpo desnudo que avanza seguro de sí mismo. Aparece el pie en reposo: una pierna soporta el peso del cuerpo y la otra apenas toca el suelo con la punta del pie, y flexiona la rodilla tirándola hacia atrás. La tensión que genera esta descompensación se compensa con ligeras inclinaciones en la pelvis y en los hombros. Se representa el Doríforo en actitud de avanzar. Es una acción con mucha menos fuerza que la del Discóbolo de Mirón, pero el torso responde plenamente a ella. El Doríforo sostenía la lanza en la mano izquierda , tensando por consiguiente el hombro izquierdo y levantándolo ligeramente. La pierna izquierda no soporta ningún peso y la cadera cae; el torso se expande. El brazo derecho del Doríforo cuelga relajado, el hombro está caído. La pierna derecha soporta su peso, la cadera está levantada.
La inclinación hacia la derecha de la cabeza del Doríforo da el toque final a la estatua; describe una suave curva en forma de "S" invertida, sistema muy apreciado en el período gótico y utilizado para transmitir armonía a las estatuas de la Virgen. Dicha inclinación mejora el perfil de la estatua.
Ambos lados de la estatua presentan cualidades muy distintas. El lado derecho ofrece una sensación de reposo gracias a la continuidad de la línea vertical que va desde la pierna derecha que soporta el peso hasta el brazo en posición relajada. El lado izquierdo, por el contrario, es angular, y la posición del codo se corresponde con la curva cerrada de la pierna izquierda relajada.
Aunque no se ha llegado a ninguna conclusión sobre las proporciones del canon, parece ser que la unidad de medida era el dedo. La cabeza es la séptima parte del cuerpo; el rostro está dividido en tres partes iguales: la frente, la nariz y la distancia de ésta al mentón; el pie es tres veces la palma de la mano; del pie a la rodilla, seis palmos, de la rodilla al centro del abdomen, seis palmos; el arco torácico y el pliegue de la ingle son arcos de un mismo círculo. La belleza se traduce en belleza y proporción.  

Otras obras suyas son el Diadumeno, Héracles y la Amazona herida

Hermes con el niño Dionisio.

Es una obra escultórica inspirada en la mitología griega. Su autor es Praxíteles y pertenece al período clásico (s. IV a.C.)

Los orígenes de la escultura aprenden las técnicas del próximo oriente e imitan formas y tamaño. Los griegos modifican constantemente sus modelos para ir corrigiendo los defectos.

Su función era para el culto, conmemorativas de alguna victoria y para tumbas. En la época helenística aparece el retrato.

Esta obra, en concreto, es una escultura realizada en mármol aunque también se utilizaban otros materiales como bronce, madera, oro, marfil o piedras de menos calidad.

En este caso, hablamos de una escultura exenta basada en diferentes conceptos como la proporción, el equilibrio, la simetría, la expresividad, el volumen y el dinamismo y caracterizada por la ausencia del contrapposto, es decir, la estatua queda totalmente desequilibrada. 

También se caracteriza por los cabellos de las dos figuras que eran cortos, adheridos a la cabeza como si fueran un casco. Prescinde del estereotipo de origen oriental de sonrisa arcaica y se ve reflejado a un nuevo ciudadano.

En el período clásico se quiere reproducir la anatomía humana con proporciones equilibradas en un intento de alcanzar el modelo ideal de la belleza humana. Para ello, los artistas redondean la musculatura y representan las figuras en posturas más naturales o como es en este caso, la curva praxiteliana que es un ligero arqueo de la escultura en forma de ''S'' invertida. Se pierde la rigidez y la frontalidad y se adquieren cánones de proporción matemática entre la cabeza y el resto del cuerpo.

Hacia el S. IV a.C., los artistas muestran preocupación por reflejar los sentimientos y las emociones por medio de la expresividad en los rostros.

Esta obra se fue descubierta en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera y servía como ornamentación.

Se encontraba boca abajo y en buen estado de conservación aunque le faltaban los pies y el brazo derecho del Dios y la cabeza de Dionisio. Los pies de Hermes y la cabeza de Dionisio fueron hallados más tarde en el mismo templo por lo que a excepción del brazo y tras la correspondiente restauración, el grupo escultórico quedó completo. 

Previsiblemente el brazo mutilado de Hermes portaba un racimo de uvas.

Apolo Sauróctono

APOLO SAURÓCTONO:

Esta escultura representa a Apolo atravesando un lagarto pertenece al silo iv a.C cuyo escultor fue  Praxíteles ya que se ve a Apolo muy joven y con un aspecto casi afeminado, no tiene la postura del contraposto y esta totalmente desequilibrado.
La postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol.
 Hay varias copias de esta escultura ya que el original se ha perdido, destacan la copia del Vaticano y la del museo del Louvre.
a postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol.

Atenea Parthenos, escultura.

Atenea Partenos es el nombre de una enorme escultura crisoelefantina de la diosa griega Atenea, obra de Fidias. Recibía su nombre de un epíteto de la propia diosa, y estaba alojada en el Partenón, en la Acrópolis de Atenas. Se han realizado diversas réplicas y obras inspiradas en ella, tanto antiguas como modernas.

La cabeza de Atenea aparece ligeramente inclinada hacia adelante. Está de pie con su mano izquierda posada sobre un escudo vertical. Su rodilla izquierda está ligeramente doblada, su peso desplazado levemente hacia su pierna derecha. Su quitón está ajustado en la cintura por un par de serpientes, cuyas colas se entrelazan en la espalda. Los mechones del pelo caen sobre el peto de la diosa. La Niké de su mano derecha extendida es alada: se ha discutido mucho sobre si había un soporte bajo el original de Fidias, siendo contradictorias las versiones conservadas. La posición exacta de una lanza, a menudo omitida, no se ha determinado completamente, si estaba en el brazo derecho de Atenea o sostenida por una de las serpientes de la égida tal y como N. Leipen la restauró, siguiendo la gema Aspasios.

La escultura fue montada sobre un núcleo de madera, cubierto con placas de bronce moldeadas y recubiertas a su vez con láminas de oro desmontables, salvo en las superficies de marfil de la cara y los brazos de la diosa. El oro pesaba 44 talentos, el equivalente de unos 1140 kg: la Atenea Partenos suponía una parte considerable del tesoro de Atenas.

El coste debió estar cerca de los 700 talentos, la misma cantidad que una flota de 230 trirremes.

La obra original de Fidias tenía unas dimensiones que alcanzaban los 26 codos de altura (12 m aproximadamente, comprendido el pedestal, de 1,50 m de alto).

Fue la imagen de culto más renombrada de Atenas, considerada uno de los mayores logros del escultor más aclamado de la antigua Grecia. Fidias empezó su obra alrededor del 447 a. C., Lacares retiró las láminas de oro en el 296 a. C. para pagar a sus tropas, y el bronce fue probablemente dorado más tarde. Resultó dañada por un incendio hacia el 165 a. C., pero fue reparada. Continuaba estando en el Partenón en el siglo V, cuando pudo haberse perdido en otro incendio. Un relato la menciona, sin embargo, en Constantinopla en el siglo X. La obra tuvo un gran impacto entre sus contemporáneos, hasta el punto de que dio origen a una tradición de estatuas crisoelefantinas, en la cual encontramos comprometido de nuevo a Fidias, con la estatua de Zeus en Olimpia, y a otros escultores, en los santuarios de los siglos V y IV a. C.