MOISÉS DE MIGUEL ANGEL

Es una escultura renacentista del siglo XVI (cinquecento)   y está en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Realizada en 1515.

  El tema es bíblico: el profeta Moisés, al regresar de su estancia de cuarenta días en el monte Sinaí, portando bajo el brazo las Tablas de la Ley para enseñárselas a los israelitas, contempla horrorizado cómo éstos han abandonado el culto de Jehová y están adorando al Becerro de Oro. El modelado es perfecto; Miguel Angel ha tratado el mármol,como si fuera la más dócil plastilina. El estudio anatómico es de un naturalismo asombroso. El mármol blanco pulido deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues donde juegan luces y sombras dando a la figura volumen. se estructura en un eje vertical desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos. Existe un ligero contrapposto marcado por el giro de la cabeza y la simétrica composición entre brazo izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así como pierna izquierda hacia fuera y derecha hacia dentro. Las líneas rectas quedan dulcificadas y compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que forma la larga y ensortijada barba hasta el brazo izquierdo, y la iniciada en el brazo derecho estirado hasta la pierna izquierda. 

 Con esta compleja composición, el artista sugiere el movimiento en potencia; los músculos están en tensión, pero no hay movimiento en acto. Consigue que este coloso no resulte pesado. Capta el instante en que Moisés vuelve la cabeza y va a levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su pueblo. Esta ira, la "terribilitá", que le embarga se expresa en su rostro, que se contrae en un gesto ceñudo. Miguel Angel abandona los rostros serenos de su primera época y opta por una expresividad acentuada, anuncio del Barroco. Moisés está lleno de vida interior. Posiblemente sea producto no sólo de su propia evolución personal, sino también de la influencia que sobre él ejerció el descubrimiento del grupo helenístico del Laocoonte.

 

NOTRE DAME DE PARÍS

Esta catedral está localizada en París ( Francia) se construyó en del 1163 al 1250 cuyo arquitecto es Maurice de Sully y su sistema de construcción fue la mampostería (piedra cortada).Probablemente sea la imagen más famosa del gótico francés.

La planta es casi de cruz griega y la nave del crucero apenas si sobresale de la misma. Consta de cinco naves y un doble deambulatorio dividido en tramos triangulares, con una serie de capillas cuadradas que lo circundan, con lo que resulta un enorme presbiterio. La nave central es de mayor altura que las laterales, y observamos como elemento sustentante columnas en vez de pilares, algo que suele aparecer en el primer gótico.
Los elementos sostenidos son arcos apuntados bastante abiertos, bóvedas sexpartitas en la nave principal y de crucería en las laterales separadas por fajones. Sobre las naves laterales se encuentra la tribuna y, sobre ella, una serie de ventanales organizados por dos arcos con un óculo entre ellos y abrazados por otro mayor, con lo que presenta tres pisos en altura.
Todos los huecos de ventanales y rosetones (que aparecen en las fachadas) aparecen decorados por vidrieras, con lo que la luz en el interior remite al ideal de espacio místico.En el exterior las torres que flanquean la fachada rematan en terraza como al impulso ascensional de los portales se opone la horizontal dibujada por la galería de Reyes.Este equilibrio se rompe en el s. XIII en otros ejemplos góticos, al triunfar decididamente la vertical sobre la horizontal. También por fuera se refleja la estructura interna, al observar las diferentes alturas, y poder contemplar el sistema de contrarrestos a base de arbotantes y contrafuertes alejados del muro, que forman parte del vocabulario del estilo.
Su fachada es el prototipo de las francesas, con un esquema en “hache”, teniendo el cuerpo principal dos torres que la flanquean, rematadas en terrazas.
 Cada una de ellas es una perfecta obra escultórica y cuentan con sendos rosetones. La fachada principal nos muestra una distribución en pisos y está dividida en tres puertas por el exterior, con lo que parece que tiene tres naves en vez de las cinco que presenta. Su ornamentación es riquísima, perfectamente adaptada al marco arquitectónico Sobre el parteluz se abre un tímpano encajado entre el dintel, dividido en tres partes, en la primera se representa el Limbo de los Justos, en la segunda Los Elegidos y en la última el Señor mostrando las heridas de sus manos, acompañado de los ángeles que sostienen los símbolos de la Pasión. En esa misma fachada hay nichos u hornacinas que albergan santos y profetas. Las arquivoltas apuntadas están llenas de figuras que recogen la disposición del arco, como es característico del estilo, en vez de disponerse radialmente, como ocurría en el Románico. Sobre esta primera planta de las puertas aparece un friso con las estatuas de los reyes. Según algunos autores serían los reyes de Francia a los que los ciudadanos agradecen los privilegios concedidos; según otros serían los reyes de Judea, precedentes de Cristo y que llevan en lugar de cetros, ramitas del árbol de Jessé. Ese friso fue destruido durante la revolución francesa y restaurado posteriormente por Viollet le Duc. Sobre ese friso hay un rosetón en el centro de menores proporciones que los de la fachada norte y sur, pero de igual calidad y artificio. Dos torres de planta cuadrada a cada lado rematan la construcción. Tienen los cuatro lados totalmente abiertos como corresponde a los campaniles y son perfectamente iguales. Hermosas y variadas gárgolas de desagüe y otra serie de figuras de coronación de aleros completan la escultura de este templo.

San Clemente de Tahull

LA ALHAMBRA

LA ALHAMBRA

La Alhambra es una ciudad palatina andalusí situada en Granada, España. Se trata de un rico complejo palaciego y fortaleza (alcázar o al-qasr القصر) que alojaba al monarca y a la corte del Reino nazarí de Granada. Su verdadero atractivo, como en otras obras musulmanas de la época, no sólo radica en los interiores, cuya decoración está entre las cumbres del arte andalusí, sino también en su localización y adaptación, generando un paisaje nuevo pero totalmente integrado con la naturaleza preexistente. En 2011 se convirtió en el monumento más visitado de España, recibiendo la cifra histórica de 2.310.764 visitantes.

Se caracteriza por su reacción contra la austeridad del arte almohade, del que, no obstante, toma algunos elementos.El jardín como elemento del cual todo gira a su alrededor (jardibnes,fuentes,albercas...) y presenta sencillez al exterior.

Sus materiales son pobres como la manpostería, ladrillo y entramado de madera.La decoración luego lo embellece todo.Los arcos son decorativos; pero esconden un sistema adintelado y se usa el arco de medio mpunto peraltado y cairelado con pequeños lóbulos.La columna es de fino fuste yel capitel en forma cilíndrica y otro encima con forma cúbica , de mocárabes y atauriques. Ambos tipos descansan en fustes muy delgados que se anillan en la parte superior.

Las cubiertas son de madera y yeso y se emplean cúpulas y bóvedas esquifadas de 4 paños, mocárabes y armaduras de par y nudillo.La decoración es epigráfica(poesía, religión) encaracteres nesjíes.Las solerías estaban hechas de ladrillo y azulejo , se alicataban los zócalos , se usaban colores vivos destacabdo del dorado.Las paredes y las bóvedas se perforaban.

Sus partes son las siguientetes: 

-Alcazába. Constituía la zona militar, centro de la defensa y vigilancia del recinto y con ello fue la parte de construcción más antigua de la Alhambra.

-Mexuar. Es la sala más antigua. En época árabe servía de sala de audiencia y justicia para casos importantes. Tenía una cámara elevada cerrada por celosías donde se sentaba el sultán a escuchar sin ser visto. No existían las ventanas laterales. Tenía el techo abierto en su parte central. Al fondo se encuentra una pequeña habitación, que servía de oratorio, desde donde se divisa el Albaicín, se encuentra orientado de forma diferente a la muralla, para cumplir su función religiosa.

 -Cuarto Dorado. No se conoce con certeza el destino dado a esta zona en época árabe. Si se conoce que se adaptó como habitación para Isabel de Portugal, para su estancia en la Alhambra, aunque nunca llegó a ocuparla. En la fachada del cuarto destacan los capiteles de su arco de entrada. Dentro del cuarto sobresale la techumbre, en madera de cedro, y decoración de piñas y conchas. Bajo él, ventanas cerradas con celosías.

-Patio de los arrayanes.  El Patio de los Arrayanes es el gran espacio perteneciente a la Alhambra, situado al este del patio del Cuarto Dorado y al oeste de la sala de Baños y patio de los Leones. A su alrededor se articulan una serie de estancias siendo las más importantes las destinadas a cuarto de trabajo del sultán (diwan) o sala del trono y de audiencias (situadas al norte del patio)

-Sala de la Barca.Desde la galería norte del Patio de los Arrayanes y a través de un arco apuntado de mocárabes, accedemos a la sala de la Barca, llamada así ya que tiene un artesonado magníficamente ensamblado en forma de casco de barco.

-Salón y Torre de Comares.  El salón de Comares es la estancia más amplia y elevada de todo el palacio, ocupa el interior de la Torre de Comares, dominando con su vista el valle del Darro.

-Patio de los Leones. Se comenzó su construcción en 1377,⁴ por deseo de Mohamed V, hijo de Yusuf I, siendo su alarife mayor Abén Cecid, concluyéndose trece años después. Los árabes de Granada, antes de llamar al Patio de los Leones Sahan al-Osud, lo hicieron con la denominación de Al-Haram. De planta ligeramente trapezoidal, el lado oriental es mayor que el que da a poniente (el de la sala de Mocárabes), el largo del conjunto, -219 pies, incluyendo las salas de Mocárabes y Reyes es igual al triple del ancho del Patio en su lado menor o de poniente (73 pies)-,⁵ rodeado por una esbelta galería con 124 columnas de mármol blanco de Macael (Almería), las cuales se agrupan, a más de las exentas, en conjunto de dos, tres, y hasta cuatro en las esquinas, sustentando, o bien sólo apuntalando, las arcadas de filigrana, siendo simétricos los lados mayores y asimétricos los menores, de los que avanzan sendo pabellones hacia el patio, en cuya intersección de ejes transversales y longitudinal se ubica la fuente con los doce leones que le da nombre.

-Sala de los Reyes. Ocupa todo el lado oriental del patio. Llamado así por la pintura que ocupa la bóveda del cuarto central. Es la sala más larga del Harén, dividida en 3 cuartos iguales y dos pequeños que pudieran ser armarios, por su emplazamiento y falta de iluminación. Probablemente destinada a fiestas familiares.

-Sala de los Mocárabes.  Ocupa todo el lado oriental del patio. Llamado así por la pintura que ocupa la bóveda del cuarto central. Es la sala más larga del Harén, dividida en 3 cuartos iguales y dos pequeños que pudieran ser armarios, por su emplazamiento y falta de iluminación. Probablemente destinada a fiestas familiares.

-Sala de Abencerraje.Esta sala fue alcoba del sultán. Al ser cuarto privado no hay ventanas al exterior. Los muros están ricamente decorados.

-Sala de las Dos Hermanas. Se sale del Patio de los Leones por el lado opuesto a la Sala de los Abencerrajes. Se pasa una puerta original de taracea, una de las más bellas del palacio, actualmente conservadas en el Museo de la Alhambra.

-Entre los grandes patios se sitúan los Baños Reales.

Mausoleo de Santa Constanza

Santa Constanza es el mausoleo que , entre los años 324 y 326, el emperador Constanino erigió en Roma para enterrar a su hija Constanza.

 

Responde al modelo de edificio centralizado, alternativo a la basílica, que la arquitectura paleocristiana usó para baptisterios, mausoleos y martyria (restos sepulcralesde mártires), y que debían sus plantas circulares o poligonales a la necesidad de hacer accesible el objeto venerado.

La iglesia se estructuraba en tres círculos concéntricos: una columna exterior, hoy desaparecida; un segundo círculo delimitado por un macizo muro cuyo paramento se ve aligerado por los numerosos nichos horadados en él, cubierto por bóveda de cañón y separado del tercero mediante una doble columnata, que acogía en su mismo centro un lujoso sarcófago.

 Santa Constanza es una afortunada mezcla de lenguaje clásico y oriental.Planteada como una rotonda, su concepción espacial es ya muy diferente de la del Panteón romano.Si la cúpula del Panteón descansaba en un cilindro macizo, la de Santa Constanza se erige sobre un anillo de columnas que parece buscar la ingravidez que tanto amarán los orientales.

PANTHEON DE AGRIPPA

El Pantheon de Agrippa lo construyó  como supropio nombre indica Agrippa en tiempos de Augusto en el 27 a.C, pero destruido en un inendio en ek 80 d.C .Arianonlo volvió hacer de nuevo y su nombre y fecha aparecen estampillados en los ladrillos.

Como todos intenta imitar  los templos griegos y etruscos pero innova un poco con pórticos y varias cellas.Tiene columnas adosadas, exentas solo en la entrada (Pseudoperípetro), tímpano sin esculturas, el orden mas usado es el corintio.

En este en concreto se intenta conciliar la planta rectangular con la planta central, el diámetro de la cúpula es igual a la altura del edificio (43,3m), y con un óculo de casi 9 m, que ilumina el edificio.Se usan el ladrillo y el hormigón.
Se apoya en gruesos muros cimentados con un espesor de 7,3m y también se apoya en edificios colindantes que quedaban adosados.El interior está revestido con ricos mármoles de colores y la zona de la cúpula con casetones y las columnas del interior sólo decoran el edificio y no lo sostienen.

Apolo Sauróctono

APOLO SAURÓCTONO:

Esta escultura representa a Apolo atravesando un lagarto pertenece al silo iv a.C cuyo escultor fue  Praxíteles ya que se ve a Apolo muy joven y con un aspecto casi afeminado, no tiene la postura del contraposto y esta totalmente desequilibrado.
La postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol.
 Hay varias copias de esta escultura ya que el original se ha perdido, destacan la copia del Vaticano y la del museo del Louvre.
a postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol.

Neoclásico

Arte NeocláSico

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Mutación.

Mutación es una obra representativa de la escultura de la segunda mitad del siglo XX y, en particular, de la escuela vasca. Chillida combina, en sus creaciones de concepción abstracta, la escultura y la arquitectura, y concede

En la evolución del estilo de Chillida se pueden establecer dos etapas. En la primera fase se preocupa sobre todo por la materia ( piedra, hormigón, alabastro, madera y acero, sin abandonar el hierro) y el espacio. En la segunda etapa se interesa por la relación entre la escultura y la arquitectura, y por la integración de sus piezas de grandes dimensiones en espacios urbanos o espacios naturales abierto: El peine del viento (San sebastián, 1977), elogio del agua ( Barcelona, 1986) y Elogio del horizonte ( Gijón. 1990)

tiva de la escultura de la segunda mitad del siglo XX y, en particular, de la escuela vasca. Chillida convina en sus creaciones de concepción abstracta, la escultura y la arquitectura, y concede al espacio la misma importancia que concede a la geometría.

Chillida, autor de la obra, desde su infancia, cuando faltaba a clase para contemplar las rocas del monte Igueldo a orillas del mar, Chillida mostró un gran interés por la fuerza de la naturaleza.

En cuanto al tema es una metáfora de la "mutación universal" es decir, del proceso de transformación a que están sometidos todos los seres y objetos.

Mutación es una escultura  abstracta, alejada de cualquier pretensión figurativa, que, a partir de la interrelación de formas curvas y rectas, crea vacíos con la intención de dibujar grafismos en el espacio. Los diferentes ángulos que origina la materia al retorcerse dejan espacios vacios que se convierten en partes integrantes de la escultura misma.

De la relación establecida entre , masa y vacío se desprende un marcado dinamismo y la posibilidad de apreciar a la vez el aspecto interno y externo de la obra.

La mutación queda plasmada como un cambio de ritmo. a la izquierda, la materia está más retorcida y, a medida que la mirada se desplaza hacia la derecha, las formas se suavizan y se hacen más rectilíneas, como si la transformación ya estuviera a punto de finalizar.

Mutación no tiene un eje de simetría, pero sí una línea de movimiento ondulada que aporta un marcado juego de luz a través de los espacios vacíos.

En la evolución del estilo de Chillida se pueden establecer dos etapas. En la primera fase se preocupa sobre todo por la materia ( piedra, hormigón, alabastro, madera y acero, sin abandonar el hierro) y el espacio. En la segunda etapa se interesa por la relación entre la escultura y la arquitectura, y por la integración de sus piezas de grandes dimensiones en espacios urbanos o espacios naturales abierto: El peine del viento (San sebastián, 1977), elogio del agua ( Barcelona, 1986) y Elogio del horizonte ( Gijón. 1990)

Composición IV ( o Batalla)

El siguiente cuadro es una pintura abstracta, cuya técnica es el óleo sobre lienzo, cuyo autor es Kandisky, el cual tuvo un importante papel como formador de futuros pintores en la Bauhaus y como teórico del arte con ensayos como "Punto" y "Linea" sobre el plano. En 1918 se corporó a la Revolución Rusa, organizando escuelas de arte y museos, pero huyó del país cuando el estanilismo empezó a despuntar.
El tema de la obra presente es la representación de una batalla entre caballeros en un país de hadas y, a la vez, una lucha entre elementos pictóricos.
En muchas obras de Kandisky de esta época, hay elementos semánticos identificables, como el arco iris o las lanzas de los caballeros que luchan a la izquierda del cuadro. Las formas, sin embargo, se diluyen en mar de colores contrastados de contornos fluidos.
La pintura está dividida abruptamente, en el centro, por dos gruesas líneas verticales negras. En la parte izquierda vemos la expresión de violentas emociones a través de líneas enmarañadas, afiladas y desiguales. En la derecha, todo está en calma y las formas y los colores se distribuyen con armonía.
Una primera lectura plantea una escena inspirada en un cuento fantástico en las que las dos líneas divisorias son dos lanzas sostenidas por dos cosacos con sombreros rojos, cuyas siluetas se adivinan con dificultad. Junto a ellos, a la izquierda, se encuentra un cosaco de barbas blancas que porta una espada violeta.
Las tres figuras están en pie frente a una montaña azul coronada por un castillo.
En la parte superior izquierda, dos cosacos montados a caballo están enzarzados en una batalla, como indican la líneas que se entrecruzan de forma violenta. Inmediatamente debajo hay un arco iris totalmente reconocible.
En la mitad se distinguen dos amantes que se reclinan entregados a su amor y son observados desde la ladera de la montaña amarilla por dos figuras envueltas en túnicas.

Dalí- Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí, realizado en 1944. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 51 x 41 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Thyssen-Bornermisza.
Dalí, siguiendo la teoría de Freud, quiso representar en el cuadro el hecho de que, a veces, se introducen en el sueño estímulos derivados de acontecimientos exteriores que son integrados en él. También se ha sugerido que la pintura es "una surrealista interpretación de la Teoría de la Evolución"
Este fue uno de los pocos cuadros pintados por Dalí en 1944. En esos momentos se dedicaba a diseñar escaparates, a hacer decorados para las películas de Hollywood o a diseñar portadas para la revista Vogue, y le quedaba poco tiempo para pintar.
A pesar de que por aquel entonces pintaba sobre temas religiosos y había abandonado el surrealismo ortodoxo, en donde se introducía en el mundo de los sueños, el largo título del lienzo muestra su intención de otorgarle al cuadro un carácter psicoanalítico.

En el cuadro aparece un paisaje marino en el que aparece la mujer del artista, Gala, desnuda. Junto a su cuerpo, flotando sobre una roca, que a su vez levita sobre el mar, hay dos gotas de agua suspendidas y una granada. Gala se despierta en el momento en el que el zumbido de una abeja que vuela alrededor de la granada le evoca la imagen de una bayoneta a punto de herirla. La bayoneta procede a su vez de un tigre, este sale de la boca de otro tigre, que sale de la boca de un pez y éste de una granada gigante. El sueño es representado a través de las imágenes oníricas que vemos en ellos. Al fondo se ve un elefante de largas y delgadas patas con el que Gala estaba soñando antes de las terroríficas imágenes que le evoca la abeja. Esta imagen, inspirada en la escultura del elefante con el obelisco en el lomo que se encuentra en la  plaza de Santa María sopra Minerva en Roma, obra de Bernini, reaparecerá en otros cuadros del pintor como La tentación de San Antonio y en la escultura de oro y piedras preciosas de 1956 llamada El elefante espacial.

La imagen de la mujer tumbada en las rocas aparece en algunas pinturas y dibujos de 1926, pero el expresionismo de entonces se ha transformado en un clasicismo que se objetivará en algunos desnudos como Leda atómica, Dalí desnudo en contemplación ante cinco cuerpos regulares y El Cristo de Gala.

El Guernica-

El Guernica, es una obra de Pablo Ruíz Picasso (1937). Concretamente se trata de un óleo sobre tela,cuyo tamaño es aproximadamente de 3,51* 7,82m. Pertenece al estilo cubista, surrealista e impresionista. Actualmente se encuentra ubicado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Moralmente la importancia de El Guernica reside en que la voluntar popular lo hizo suyo de inmediato y le otorgó el cáracter universal.Personalmente para Pablo Ruiz Picasso era una muestra de su implicación política y de su creencia en el compromiso de la pintura con el devenir histórico.
En cuanto al tema, el 26 de abril de 1937 los aviones alemanes de la legión Cóndor bombardearon la pequeña ciudad de Guernica, sin especial valor militar, habitada casi exclusivamente por la mujeres, los niños y ancianos, protagonizando la gran masacre de civiles de la época contemporánea. El ataque no se limitó a un bombardeo, sino que junto a bombas y artilugios incendiarios, los caza alemanes dispararon a la personas que intentaban escapar.
Sobre los elementos plásticos hay que destacar la ausencia de color que configura un mndo apocalíptico. El cuadro está pintado en blanco y negro con una gama de colores variada de grises y algunos toques azulados, Su gran preocupación fue la expresión del dolor, evidentemente en los numerosos esbozos realizados para la madre con el niño muerto en los brazos. Fianalmente construyó un rostro desgarrado en el que la forma misma de los ojos parece una lágrima que se desborda más allá de sus cuencas; la boca aparece desmesuradamente abierta, con los dientes salidos y una lengua afilada que emergen desde el interior.
La composición es innovadora porque plantea una pintura de batalla a partir de tan sólo nueve personajes y algunos elementos contextuales; y se estructura a partir de una pirámide luminosa central.
La pirámide-figura compositiva que se repite a lo largo de la tela- refleja las conquistas espaciales del cubismo. Tiene su vértice en el centro de la composición, en el fundamental Qunqué de la mujer que se asoma a la ventana, cuya luz "ilumina": el caballlo agoniznte con la lanza clavada en el costado, el guerrero descuartizado a sus pies, y la figura femenina, semidesnuda, que avanza desde la izquierda.
En la semipenumbra queda un pájaro-tal vez una paloma-, herido, atrapado ente la mesa y el techo. El eje izquierdo integra el Toro y la Maternidad ; y el derecho, la mujer atrapada en el incendio.
La escenografía se reduce a, un suelo de baldosa, una mesa... El conjnto genera un espacio angustioso, teatral, acentuado por el tamaño de los personajes en relación con la arquitecura.

Picasso- Las señoritas de Avinyó

Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Avinyó o Las señoritas de Aviñón es un cuadro del pinto español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, y sus medidas son de 243,9 x 233,7 cm. Actualmente se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esta imagen inquietante de las prostitutas de un burdel barcelonés (de ahí el título Las señoritas de la calle Avinyó) marca un punto de inflexión en el arte del siglo XX. Picasso rompe con la norma de que una imagen se ha de representar desde un punto de vista único, a la vez que altera la forma tradicional de tratar el desnudo femenino. Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo Africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar del cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Rompe con el Realismo, los cánones de`profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas clara-oscuras.

Las mujeres se distribuyen en un interior sin profundidad, delimitado por una cortina. Esta cortina genera un espacio indeterminado, que aboca todas las figuras al primer plano; de manera que parece que las mujeres estén en un escaparate o en un escenario. La cortina se estructura en pliegues fragmentados y angulosos, cuyos brillos remiten a El Greco y cuyo aspecto seccionado y anguloso evoca a Cézanne. Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda a las pinturas egipcias.

Las mujeres están caracterizadas como figuras terribles. Las tres mujeres de la izquierda exhiben orejas largas y ojos almendrados, mostrando dos de ellas, a la vez, el rostro de frente y la nariz de perfil. La figura agachada impresiona por su rostro deforme de ojos fijos y asimétricos, pintados en colores contrastados, y por la nariz curvada como una hoz. Pero lo más revolucionario de esta figura es que se muestra simultáneamente desde dos puntos de vista, de espaldas y de cara.
Los cuerpos desnudos de las mujeres están encajados y desencajados (los pechos se reducen a agresivas formas geométricas). No se relacionan entre ellas, sino con el espectador, al que interpelan con su mirada y sus gestos.

Picasso no ponía casi nunca título a sus cuadros hasta bien pasado el tiempo, a veces hasta dos años después de ser pintado. En el caso de esta obra ocurrió lo mismo. Cuando Picasso presentó este cuadro a sus amigos era una obra sin título. Siguiendo su costumbre, Picasso trabajó en unos cuantos bocetos bien dibujados antes de dedicarse de lleno a la obra final. Esta obra preliminar de estudio consta de un óleo, una acuarela y una gran cantidad de dibujos.
Picasso vendió el cuadro por un precio no muy elevado. Más tarde se escribió una obra de teatro con el mismo nombre.

Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.

Casa Milá, la pedrera.

La casa de la pedrera se encuentra en un chaflán del paseo de Gracia con la calle Provenza. Gaudí recibió el encargo de construir una casa señorial de parte de Pere Milá i Camps. El proyecto de Milá era construir un edificio de grandes dimensiones, el cual serviría como su propia residencia, para alquiler a otras personas y en la planta baja instalaría tiendas. La construcción sufrió varios retrasos ya que el edificio superó en altura y anchura a lo establecido en las ordenanzas municipales. El edificio se construyó sobre un solar de 34 por 56 metros con 1835 m cuadrados de superficie. Consta de seis plantas articuladas alrededor de dos patios interiores, uno circular y otro oval, más un sótano, un desván y una azotea. En cuanto a la fachada, la casa Milá tiene tres fachadas, una en el paseo de gracia, otra en la calle Provenza y otra en la calle Chaflán. Sin embargo las tres presentan una continuidad superficial y estilística que, por su forma sinuosa y ondulada, parece una roca modelada por las olas del mar. El conjunto de entrantes y salientes imprime un gran dinamismo al conjunto que le otorga la sensación de estar en movimiento, a la vez que crea un conjunto de luces y sombras en constante cambio según la hora del día. Además, también cuenta con 33 balcones de hierro forjado con una originalidad forma de algas marinas. Las tres fachadas tienen 150 ventanas con diferentes soluciones estructurales, formas y tamaños, siendo más grandes las inferiores y menores las superiores, que reciben más luz. Sobre la azotea, está situada sobre el desván donde Gaudí situó las salidas de escaleras, chimeneas y las torres de ventilación, que por su gran forma y diseño innovador crean un auténtico jardín de esculturas al aire libre. En cuánto al análisis interior, hay que destacar que está diseñado de una forma multifuncional para una comunicación fluida entre las diversas partes del edificio. Para ello la planta baja presenta dos accesos con vestíbulos que comunican interior con exterior, y que conectan los dos patios de luces, favoreciendo igualmente el tránsito interior entre las dos zonas del edificio. Las dos puertas de entradas están fabricadas con hierro forjado y vidrio, de tal manera que actúan como puerta y como verja de seguridad.

El Juramento del Juego de la Pelota.

El Juramento del juego de la pelota, es un compromiso de unión presentado el 20 de junio de 1789 entre los 577 diputados del tercer estado para no separarse hasta dotar a Francia de una nueva Constitución.
Para celebrar el acontecimiento, los parlamentarios jacobinos( sociedad de los amigos de la constitución) encargaron un año después a David Louis, plasmar el juramento.
El pintor procuró representar a la vez los hechos históricos con fidelidad, así como con exaltación.
Para simbolizar el sentimiento de unanimidad hace converger a hacia Bailly la mirada y los brazos de todos los diputados presentes, el cual levanta un brazo para intentar silenciar la multitud y leer la declaración en el izquierdo. Centrados y en primer plano se representan a 3 clérigos abrazados, uno de ellos cartujano y otro protestante, sacralizando, infructuosamente, el acto, así como representando la tolerancia. En el cuadro se reconoce también a Robespierre, primer plano a la derecha, de pie y con las manos sobre el pecho. La parálisis del único opositor al juramento, el diputado del tercer estado Martín- Dauch, sentado a la derecha del todo, se contrae ante el entusiasmo del general.
David se preocupa también de dibujar las caras al detalle para que cada protagonista pueda ser reconocido individualmente. Los participantes en este día adquieren así la figura de héroes nacionales. El pintor dibujó en las anchas ventanas la presencia del pueblo, simbolizando el apoyo del pueblo al juramento. Las cortinas flamean, representando el viento de la revolución que surca Francia.

El Escorial

El Escorial; situado en Madrid; es uno de los edificios más importantes del Purismo español. Su arquitecto es Juan de Herrera; era matemático, astrónomo, experto en ciencas ocultas...

El Escorial ordena hacerse el dia de San Lorenzo, tras la batalla de San Quintín. Tiene una apariencia similar a la de un alcázar, con cuatro torres cubo en las esquinas. Si nos fijamos en su planta, el edificio tiene forma de parrilla; esto es porque San Lorenzo fue torturado y quemado en una parrilla y el edificio aprovecha esta forma para sendirle homenaje al santo.
El Escorial está rodeado de numerosos y frondosos jardines que abarcan numerosas hectáreas.

Sus dimensiones son mayores que las del alcázar. Es un edificio que tiene multifuncionalidad (biblioteca, iglesia, palacio, monasterio, Panteón de los Reyes de España...) y un carácter manierista.

La costrucción esta situada a cuarenta kilómetros de Madrid y la única ornamentación son las pirámides sobre las torres con la inestable esfera que las corona. Su cúpula es similar a la de la catedral de San Pedro del Vaticano, sobre una cruz griega.
Tiene una superfície de unostreinta y tres metros cuadrados y su portada es algo diferente, con poca ornamentación, tiene el escudo y la figura de San Lorenzo. Sus tejados son muy inclinados y la portada tiene orden gigante con columnas de varios pisos adosadas.
Las torres estan adornadas por chapiteles rematados por una esfera que dá sensación de inestabilidad.

Las paredes del edificio son lisas y carecen de ornamentación, excepto por las numerosas ventanas. Interiormente tiene cuatro patios y su biblioteca contiene muchos frescos, imitando el estilo de Miguel Ángel.

Miguel Ángel- La tumba de los Médicis

La obra ante la que nos encontramos se halla en Florencia. Cabe destacar que tanto el arquitecto del edificio como el constructor de las esculturas fue el célebre Miguel Ángel; el cual practicaba muchas artes, aunque se consideraba ante todo escultor- Este escultor se formó en la corte de los Médicis; de ahí el encargo de este edificio.

Situada en la sacristía nueva de la iglesia de San Lorenzo, estaba prevista para albergar los últimos cuatro gobernantes Médicis, aunque sólo se cocluyeron los monumentos de dos familiares (Giuliano y Lorenzo); situados uno enfrente de otro en los laterales, y dos tumbas más para otros miembros de la familia: y Lorenzo II. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luzTerminó además, una Virgen con Niño. (que es símbolo de vida eterna y está flanqueada por las estatuas de san Cosme y san Damián) para la capilla.

Podemos ver la integración perfecta con la arquitectura(rasgo del manierismo).
El sepúlcro de Giuliano constituye una alegoría de la vida activa, se representa como un guerrero, un gobernante con un bastón de mando. Las estatuas sobre el sepulcro representan el día (A la derecha), esculpido como un hombre corpulento, desperezándose. A la izquierda está la noche; representada como una mujer madura, tiene como simbolo nocturno, una lechuza. Las posturas de las cabezas son una tendecia del manerismo.

El sepulcro de Lorenzo, representa la vida contemplativa, el intelectual, meditando).
La aurora re presenta una mujer joven y la vida valiente, mientras que el crepúsculo es representado por un anciano con un rotro sin pulir.
Las esculturas forman una composición triangular, estan sostenidas sobre frontones partidos, con forma semicircular y acabados en volutas.

La Gioconda. (1503-1506)

La Gioconda, obra de Leonardo Da Vinci pertenece al Renacimiento concretamente al siglo XVI, etapa conocida como el cinqueccento. En este siglo la pintura vive una notable evolución ya que la figura del hombre es la principal.
Es unos de los cuadros más famosos que existe. Se encuentra ubicado en el Museo del Louvre en París. Es con diferencia unas de las pinturas más visitadas. En 2005 fue instalada en una vitrina antibalas en una sala especial, donde está protegida del calor, la humedad y el vandalismo.
La protagonista del cuadro es Lisa Ghererdini, una dama florentina casada con Franccesco del Giocondo.
En cuanto a la técnica, está de óleo sobre tabla, tiene una dimensión de 77 por 53cm y concretamente es un retrato.
Unas de las carasterísticas de la dama que aparece en el cuadro es que se representa sin bellos en la cara. Aunque hoy en día nos extrañe, esto era costumbre común entre todas las damas florentinas, depilarse todo el bello de la cara.
Es la última obra de Leonardo y de hecho estuvo retocándola hasta sus últimos días.
Cabe destacar la combinación de la perspectiva aúrea y de la técnica del sfumatto que consiguen una estupenda sensación de tridimensión y de profundidad.
Los críticos suelen afirmar que lo mejor de la obra es la sonrisa debido a que hay una ilusión que aparece y desaparece debido a la manera en la que el ojo procese la imágen.
El paisaje es un fondo agresto, salvaje. Los colores más utilizados son el ocre quemado para dar sensación de ocuridad, alboyalde y amarillo sulfuroso para los colores carne.

El entierro del Señor de Orgaz

El Expolio

Expulsión de los mercaderes del Templo

Curación del ciego

La cúpula de Sta. María de Fiore.

Se trata de la cúpula de la Catedral de Florencia. Sta. María de fiore (Santa María de las Flores).
Es una catedral gótica iniciada en 1926 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto, quien realizó su bello campanille exento, y posteriormente por otros arquitectos. En 1418 la corporación de la Lana convocó un concurso para elegir el mejor proyecto para construir una cúpula sobre el crucero, que aun faltaba. La maqueta presentada por el arquitecto Filippo Brunelleschi ganó el concurso, al que también se había presentado Ghiberti.
En cuanto al autor, Brunelleschi, fue el descubridor de la perspectiva moderna. Buen conocedor de matemáticas y geometría, inventó nuevas técnicas constructivas. Se inspiró en modelos arquitectónicos paleocristianos, romanos y gótico, pero racionándolos. Algunas de sus obras son.
Sobre los materiales destacan el ladrillo, la piedra y el mármol.
En cuanto a la planta y el interior: sin cimbra de madera y empleo de una aparejo de ladrillo hueco en forma de espina de pez, utilizado ya por los romanos. Planteó la grandiosa cúpula de casi 43 m. de diámetro como un doble cascarón con un espacio vacio en medio: el cascarón interno era de forma semiesférica, el externo era apuntado, dividido en 8 partes triangulares dividas por nervios exteriores de mármol. Aligeran el peso en el exterior diversas semicúpulas de descargas y, desde el interior, una series de costillas horizontales concéntricas y nervios ocultos.
En cuanto al exterior la cúpula se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de placas de mármol(blanco, verde y rosado), con una gran ventana circular en cada uno de sus lados. La cúpula cuya ocho caras están cubiertas de tejas rojas y planas, tienen un aspecto esbelto gracia a su perfil apuntado, debido a la curvatura de los nervios de mármol blanco que la recorren ascendiendo hacia la cúspide.
Es de estilo renacentista, inspirada en los sistemas de constucción romano, especialmente en la cúpula de panteón de agripa.
Sobre el significado era símbolo del orgullo de la ciudad-estado, la más prestigiosa del siglo XV.

Bodas de Caná

Capilla Sixtina