martes, 11 de diciembre de 2018

00 Características generales de la época gótica

01 Características generales de la arquitectura

02 Arquitectura del Gótico en Francia El primer Gótico

03 Arquitectura del Gótico en Francia S XIII y XIV

04 Arquitectura gótica en Alemania e Inglaterra

05 Arquitectura gótica en Flandes e Italia

06 Arquitectura gótica en España S XIII

07 Arquitectura gótica en España S XIV

08 Arquitectura gótica en España S XV

09 La escultura Portadas y retablos

10 El Trecento

11 Los primitivos flamencos del siglo XV Los Van Eyck

domingo, 17 de mayo de 2015

Casa Kaufmann



Descripción: Esta arquitectura recibe el nombre de Casa Kaufmann, o casa de la Cascada, cuyo autor es Frank Lloyd Wright. Se encuentra en Bear Bun, Pensilvània (EE.UU)

Aspectos materiales y técnicos: Esta obra se ha elaborado con hormigón armado, piedra, vidrio y aluminio. Su estilo es organicista.

Analísis formal: La casa de la Cascada consta de tres plantas, y se construye a partir de una composición geométrica de planos verticales en piedra que se oponen a los planos horizontales de hormigón. Estos se equilibran sobre la superficie rocosa y consiguen que el conjunto muestre una gran plasticidad estructural que evoca la cascada que se encuentra justo debajo. Ello potencia la asimetría entre la horizontalidad construida y la verticalidad natural. Los criterios de la composición del conjunto son básicamente tres: el cruce continuo de unos volúmenes sobre otros,, la forma de proyectar el edificio desde el interior hacia el exterior, y la integración del edificio en un entorno natural. En su interior, cada planta tiene una disposición totalmente libre, sin ninguna estructura reguladora de espacios, de modo que se adapta a las necesidades concretas de cada zona. Por otro lado, el uso del vidrio en todos los ángulos y el hecho de que los espacios interiores se extiendan a lo largo de los balcones hacia el paisaje, supone fomentar una gran comunicación con el exterior, que evita la sensación de estar encerrado.

Comentario: Está establecida como una de las premisas principales de la arquitectura organicista, la integración del edificio en el entorno es total. Rodeada de árboles, rocas y cascadas, la casa se articula por medio de diferentes niveles, que funcionan como techo y terraza, de manera que la estructura resultante parece la reproducción arquitectónica del escenario natural en el que se integra. Pensada como vivienda unifamiliar, la casa Kaufmann encarna las convicciones del arquitecto estadounidense sobre la unidad entre los seres humanos y la naturaleza. Por ello, este edificio es sin duda la materialización de un ideal de la arquitectura organicista: poder vivir en medio de la naturaleza sin renunciar a las comodidades de la arquitectura moderna, es decir, conjugar ecología y progreso.  

Restauraciones y modificaciones: Posteriormente incorporaron un discreto sistema de calefacción, aire acondicionado y ventilación, así como un nuevo pabellón en la piscina.

lunes, 11 de mayo de 2015

3 de mayo



Descripción: Esta pintura recibe el nombre de El tres de Mayo de 1808, o Los fusilamientos de la Moncloa, cuyo autor es el aragonés Francisco Goya. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado.

Aspectos materiales y técnicos: La pintura está realizada sobre un lienzo, la técnica empleada fue el óleo. Sus medidas son 268 x 347 cm.

Análisis formal: Esta composición se divide en dos partes fundamentales; a la izquierda, aparece un grupo de civiles en diferentes posturas e incluso algunos aparecen ya muertos. A la derecha, aparece un grupo de soldados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante. Detrás de los civiles aparece la montaña del Príncipe Pio, al fondo se aprecia una arquitectura perteneciente a Madrid y la noche negra donde se desarrolla la acción cubre el resto de la composición. Goya utiliza en este cuadro una paleta oscura, donde predominan la gama de los negros ya que es el color de la muerte por excelencia. La otra gran familia cromática la forman los ocres, sin olvidar el color blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la obra. 

Comentario: Esta obra fue realizada por Francisco Goya en 1814. No se sabe muy bien con que fin fue realizada, aunque se piensa que para ser ubicada en alguna arquitectura efímera. Aquí no podemos olvidar el peso de la escuela tenebrista, que sin duda debió influir en Goya. Debido a la gran variedad de estilos y tendencias que atravesó el pintor a lo largo de su vida, resulta inútil el tratar de englobar esta obra. El cuadro fue pintado seis años más tarde que los acontecimientos que relata y quizás fue pintado a propósito de una propuesta que hizo Goya al nuevo gobierno, que consistía en hacer una serie de retratos que conmemorasen episodios importantes del levantamiento español en la época de invasión francesa. La ausencia de tradición de la pintura histórica en España, y sobre todo de cuadros que narrasen algún episodio de la historia reciente, supuso una gran innovación en este género, ya que Goya se oppone radicalmente al estilo neoclásico, que algunos han llamado "estilo restauracion". 

Restauraciones y modificaciones: Se encuentra bien conservada y fue barnizada por el pintor Salvador Martínez Cubells. 

jueves, 30 de abril de 2015

El gran masturbador



 Descripción: es una pintura que se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. Su autor es Salvador Dalí (Figueres, 1904-1989) y el cuadro es conocido como El gran masturbador.

 Aspectos materiales y técnicos: está pintado en óleo sobre lienzo. Sus medidas son de 110 x 150 cm.

  Análisis formal: el autor representa en primer plano, su rostro visto de perfil. con una gran nariz que toca el suelo. Pegado a él hay una langosta con el vientre lleno de hormigas, en el pelo un anzuelo, una cabeza de león con una gran lengua  y muchas caracolas de playa, plumas de colores y piedras. De lo que podría ser el cuello de Dalí vemos a una fifura femenina con un lirio, que aproxima su cara a unos calzones ceñidos donde están los genitales masculinos.
Más en segundo plano se observa una pareja en la arena de la playa que se abrazo bajo la langosta y al fondo un personaje inquietante que proyecta su sombra sobre otras dos figuritas. De fondo el autor pinta un desconcertante cielo azul , que es infinito y yermo.
La tela posee un sentido irreal que es reproducida por el pintor de una forma meticulosa, dibujística y fotográfica que hace que la línea  sea protagonista. La luz es proyectada por un foco no visible que se sitúa en la parte inferior derecha, dotando a la escena de gran claridad y siendo muy realista con la línea.
Los colores se aplican precisamente con una pincelada plana y el brillo destaca en los dos tonos fundamentales, el amarillo del rostro y el azul del cielo.

  Comentario: esta obra fue realizada por Salvador Daí en 1929. Su estilo es el Surrealismo y el tema es onírico. Dalí nos adrentra en el encuentro con Gala en Cadaqués en el verano de 1929 y por ello la posibilidad de una actividad sexual con una mujer, escapándose de su presunta práctica onanista. La cabeza de león ycon su larga lengua roja representa la fuerza del deseo sexual, que no en vano está bajo la fantasía felatoria. Las figuras abrazadas hacen mención a los paseos de Dalí con Gala en la playa antes del regreso de ella a París. La cuerda con el anzuelo se ha evaluado como el abandono momentáneo de su pesca. Se refleja recuerdos infantiles en la playa del autor. Aparece la langosta (de la que temía de pequeño), así como las piedras y caracolas, las plumas de coloreso las hormigas y la menuda imagen de un padre con su hijo en la línea del horizonte. Dalí se inspiró en una obra del prerrafaelita Dante Gabriel Rosetti, Beata Beatrix. Otras obras de Dalí son La persistencia de la memoria (1931) y La tentación de San Antonio (1946).

  Restauraciones y modificaciones: se encuentra perfectamente conservada y no ha sufrido ninguna restauración.   

martes, 28 de abril de 2015

La Cometa



   Descripción: esta es una pintura llamada La Cometa, cuyo autor es Francisco de Goya. Se conserva en perfecto estado en el Museo del Prado en Madrid.

   Aspectos materiales y técnicos: la obra se realizo en óleo sobre lienzo, una técnica ya más que vista en la época.

 Análisis formal: tiene un tamaño de 269 x 285 cm. los tipos que Goya representa son de gran naturalismo y realidad. El colorido es muy intenso y ayuda a destacar los detalles de los trajes de los personajes. Estos trajes y estos personajes se conocen en la actualidad como goyescos. Además el árbol refleja una sombra perfecta hacia la colinita donde esta el hombre que maneja la cometa y que se sitúa en el centro del cuadro. Atrás aparecen figuras arquitectónicas y un cielo que pese a estar despejado da ciertos síntomas de oscuridad.


   Comentario:Pertenece al periodo Rococó podterior al Barroco. Esta pintura a una serie de cartones que realizó Goya en 1778 para la decoración del comedor de los Príncipes en el Palacio de El Pardo de Madrid. A esta serie pertenecían también los cuadros titulados Jugadores de Naipes y Niños inflando una vejiga.
En esta serie de cartones, como en la de las estaciones, Goya refleja el mundo y las costumbres del pueblo de Madrid. En este caso se trata de un juego muy popular que servía de distracción a los majos de su época, el echar a volar la cometa, que realmente en el cuadro tiene poca importancia. Lo más importante son los tipos que Goya representa con gran naturalismo y realidad.Esta segunda entrega de cartones la efectuó Goya el 26 de enero de 1778. Se sabe que por este cartón titulado "La cometa" pidió el pintor la cantidad de 7.000 reales de vellón, que era la misma cantidad que había obtenido por otros encargos destinados a los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara. 

   Restauraciones o modificaciones: se conserva perfectamente desde que se pintó.

martes, 24 de marzo de 2015

Pórtico de la Gloria



Descripción: Este trabajo realizado en 1188, es la puerta de entrada occidental de la catedral de Santiago de Compostela (A Coruña). Actualmente están en buenas condiciones y su autor fue el maestro Mateo.

Aspectos materiales y técnicos: Esta obra se ha elaborado en granito y mármol, y su estilo es románico tardío. 

Análisis formal: El pórtico se divide en tres arcos. El arco central es el más grande, y también es el único que tiene tímpano. Está dividido por un mainel o parteluz con la figura del apóstol Santiago. A nivel horizontal, se distinguen tres registros, el inferior corresponde a las bases de las columnas y está decorado con animales fantásticos, el registro medio está formado por las columnas con las estatuas adosadas de los apóstoles y en la franja superior se sitúan los tres arcos que coronan las puertas. Las estatuas del Pórtico de la Gloria siguen las características del arte románico, como es la adaptación al marco arquitectónico, el horror vacui, la fidelidad a la narración bíblica, el uso de la policromía, el hieratismo, la jerarquización de los personajes y la solemnidad. Aún así, también se aprecian algunas características que anticipan el periodo gótico, como el dinamismo de los personajes y la relación entre ellos, el detallismo y el naturalismo de los rostros.

Comentario: El Pórtico de la Gloria representa la segunda venida de Jesucristo a la tierra para juzgar a los hombres. El tratamiento del tema está basado en el Apocalipsis y en los libros proféticos de Isaías, Daniel, Ezequiel y Esdrás. Siguiendo la lectura iconográfica del pórtico de abajo arriba, se halla el árbol genealógico de Jesucristo en la base del parteluz, seguido por la figura de Santiago vestido de peregrino, situado a los pies de la figura de Cristo, que ocupa la zona central del tímpano. En la parte posterior del parteluz, es decir, de cara al altar, se distingue la efigie del Maestro Mateo, autor del conjunto. Visualmente, siguiendo la composición iconográfica desde la base del parteluz hacia el tímpano, el espectador va pasando de la representación del ámbito terrenal a la representación del ámbito celestial. En el centro del tímpano se halla la figura de Cristo rodeado de los cuatro evangelistas, que al mismo tiempo, éstos se encuentran acompañados de ángeles. En las arquivoltas se esculpieron veinticuatro ancianos del Apocalipsis celebrando la gloria celestial. En la puerta lateral izquierda, se representa a Cristo con Adán y Eva, Noé, Moisés, Abraham y algunos profetas del antiguo testamento. En la puerta derecha, se describle el Juicio Final, Cristo y el arcángel San Miguel nos indican que a su derecha se situarán los elegidos, y a su izquierda, los condenados al infierno.

En la actualidad, el Pórtico presenta evidentes signos de deterioro en su estructura pétrea y sus capas pictóricas, por lo que es necesaria una urgente intervención que ayude a frenar este avance y prevenir futuros daños.

viernes, 20 de marzo de 2015

El Matrimonio Arnolfini.


Descripción: esta obra data de 1434 y representa una pintura que a día de hoy se encuentra en el National Gallery de Londres. Su estado de conservación es impecable y su autor fue Jan van Eyck (Maaseyck, 1390-Brujas, 1441).

Aspectos formales y técnicos: esta pintura se ha elaborado al óleo sobre tabla y pertenece al estilo Gótico flamenco. Ésta técnica pictórica se consigue mezclando los pigmentos con un aglutinante que suele ser de aceites vegetales. Se solía aplicar no solo a tabla sino también metal, madera, piedra o marfil. Los pigmentos se conseguian de plantas o pruductos naturales. Esta técnica dejaría paso a la pintura al fresco que en vez de aceites utilizaba el huevo.

Análisis formal: considerada como la obra maestra de Van Eyck, sitúa a una pareja en una habitación. El espajo que hay en el fondo muestra el eje de simetría con el perro, la lámpara y el techo.Se confluyen en el espejo las líneas de fuga de la perspectiva, vistas gracias a las vigas del techo y las maderas del suelo, dan sensación de gran profundidad en el lienzo. Parar ver ésta tridimensionalidad en el espacio, el espejo refleja lo que no puede mostrarse en la obra y es la imagen que viene a corresponder con la realidad según el espectador. El espacio es rígido, teatral y poco espontáneo sin apenas movimiento. Predominio de la línea sobre el color , perfilándolos y haciendo que posean una solidez escultórica. Aunque ésto le permite plasmar la realidad hasta el más mínimo detalle, con una escrupulosidad microscópica ( este tipo de pintura se puede considerar ya dentro de la moderna ya que el detallismo la distigue de las anteriores como las del Románico) gracias al empleo del óleo aplicada con plumillas muy delgadas. La luz penetra con suavidez y gran realismo, ilumina a la mujer y oscurece a la parte izquierda. Los colores dominantes son el marrón de la túnica del mercader, el verde del vestido de ella y el rojo de los muebles.

Comentario: el tema de este lienzo es una escena costumbrista o de género. Representa un doble retrato de cuerpo entero de Giovanni Arnolfini (comerciante italiano que residía en brujas) y su esposa Giovanna Cenami ( hija de otro mercader del mismo origen). El historiador de arte Erwin Panofski ha establecido múltiples teorias sobre la obra y la entiende como un certificado conyugal en formato visual. Él coge la mano de ella y hace el voto nupcial levantando el antebrazo, y al presentarse descalzos  reafirma el carácter sagrado de la ceremonia. Otros símbolos que tienen que ver con el matrimonio y están aqui presentes son El perro (fidelidad), la borla , la talla de Santa  Margarita y el dragón como protectora de los partos en la parte superior de la cama (fecundidad), el espejo sin mancha  y el rosario que cuelga al lado (pureza de la Virgen). Se representan las frutas del " árbol del Bien y del Mal", o sea, las frutas del árbol prohibido del que comieron Adán y Eva que se sitúan encima de la mesa y representan el pecado original que será redimido en el matrimonio. La firma del autor "Johannes van Eyck fuit hic" (Jan van Eyck estuvo allí) que está sobre el espejo, deja entrever que partcipó en el enlace como testigo. Esta obra podría compararse con Las Meninas de Velázquez ya que se asemejan el perro, la iluminación y el protagonismo de la mujer, además el autor también deja su marca en la obra, no firmándola sino apareciendo en ella.

Restauraciones o modificaciones: esta pintura se conserva en perfectas condiciones. Se localiza desde 1842 en el National Gallery de Londres tras desaparecer misteriosamente en 1813 del Palacio Real de Madrid.



sábado, 14 de marzo de 2015

La Alhambra




Descripción: La Alhambra es una ciudad palatina fortificada que sirvió como residencia de la corte a los sultanes nazaríes. De autor desconocido se localiza en Granada (España).

Aspectos materiales y técnicos: Se utilizaron materiales estructurales pobres. Mampostería, ladrillo y entramado de madera, posteriormente la decoración lo embellece todo.


Análisis formal: En todo el recinto predomina una unión al paisaje. El jardín es el elemento alrededor del cual todo gira, los jardines, las fuentes, albercas, etc. Es apreciable la sencillez exterior.

Los arcos utilizados son decorativos, ya que esconden un sistema adintelado. Era frecuente el arco de medio punto peraltado y cairelado con pequeños lóbulos.
Las columnas de fino fuste y capitel con un cuerpo cilíndrico, ambos tipos descansan en fustes muy delgados que se anillan en la parte superior. Estaban cubiertas de madera y de yeso.
Se emplean bóvedas esquifadas, mocárabes y armaduras de par y nudillo. Se utiliza la decoración epigráfica (poesía, religión) en carácter nesjíes. Solerías de ladrillo y azulejo y zócalos alicatados.
Predomina el uso de colores vivos, sobre todo el dorado.
Perforación, calado de paredes y bóvedas.
En la Alhambra se distinguían las siguientes partes.
La Alcazaba, que era la zona defensiva. 
En la Casa Real, Mexuar, que era la sala de audiencias, Cuarto Dorado, la oficina de apelación, patio de los arrayanes, sala de la Barca, salón y torre de Comares, patio de los Leones, sala de los mocárabes y enfrente la sala de los Reyes, sala de Abencerraje y sala de las Dos Hermanas, donde se sitúa el mirador de Daraxa. Entre los dos grandes patios se sitúan los Baños Reales.

Comentario: Esta residencia-fortaleza, construida a lo largo del siglo XIV, se inició bajo el gobierno de  Mohamed el Ahmar, aunque la continuaron otros reyes. Por esta razón carece de unidad y, como ocurre en otras ciudades palacios, su estructura es desordenada. A su interior se accede por la Sala de Audiencias, reformada en el siglo XVI. Al reinado de Yusuf I corresponde el Cuarto de Comares, un palacio independiente del que sobresale el salón del trono, la Torre de Comares y el patio de los Arrayanes.

Con Mohamed V, en la segunda mitad del siglo XIV, se amplía el recinto con el Patio de los Leones y sus dependencias. De éstas son dignas de mención las salas de los Abencerrajes, de los Reyes y Dos Hermanas, cubierta por una impresionante bóveda de mocárabes.

En el s.XIX se restauró la Sala de los Reyes, los reversos de las bóvedas de las salas, las bóvedas de mocárabes y zócalos.