lunes, 15 de diciembre de 2014

Doríforo



Descripción: Es una escultura griega que se encuentra en el Museo Archeológico Nazionale (Nápoles). Su autor fue Polícleto. Su estado de conservación es bueno.

Aspectos materiales y técnicos: La obra original fue realizada en bronce, la copia romana en mármol. La composición de la escultura ha sido ejecutada mediante un cálculo preciso de proporciones, dimensiones y líneas que constituye, para el autor, el canon anatómico perfecto, según el cual la altura total debe ser equivalente a siete veces la cabeza. 

Análisis formal: Polícleto establece un sutil juego armónico entre las distintas partes del cuerpo para conseguir un equilibrio, conocido como contrapposto. El autor consigue así una interesante contraposición entre lo dinámico y lo estático, porque mantiene el torso en tensión al mismo tiempo que marca la elevación de la cadera derecha y flexiona la pierna izquierda, produciendo el efecto contrario en sus hombros. En el modelado, el cuerpo presenta más trabajo en el torso, en el que se marcan claramente las líneas principales de la musculatura. En la cabeza se aprecia una mayor voluntad naturalista en cuanto a la captación del gesto y la distribución plástica del pelo.

Comentario: Esta escultura representa a un atleta en actitud de reposo instantes antes participar en su prueba de lanzamiento. La imagen resume perfectamente el ideal antropológico de los griegos de la época clásica: el hombre en plenitud juvenil preparado y capacitado para participar en los juegos, en un equilibrio perfecto entre vigor físico e inteligencia, destreza y voluntad, es decir, en armonía con los espirituales. 
Para representar el equilibrio y la armonía, las proporciones físicas siguen perfectamente el canon marcado por el artista, además, el rostro debe estar dividido en tres partes iguales: la zona de la frente, la situada entre la frente y la punta de la nariz, y la que va desde la nariz hasta el mentón. En cuanto a la actitud mental o psicológica, no se percibe un gesto de orgullo ni de vanidad en el atleta, lo cual se consideraba reprobable en la mentalidad de la época, sino que presenta el gesto sereno de quien mantiene la excelencia ética de su éxito.

Restauraciones o modificaciones: Como se menciona anteriormente, esta obra es una copia en mármol romana de la griega de bronce. Se conserva muy bien.

domingo, 30 de noviembre de 2014

Pintura de la cueva de Altamira




   Descripción: Es una pintura rupestre, realizada en el Paleolítico. Actualmente se encuentra en la Cueva de Altamira, Cantabria. Se desconoce su autor.

   Aspectos materiales y técnicos: Es una pintura, dibujada en las pared con pigmentos minerales ocres, marrones, amarillentos o negros, mezclados con aglutinantes como la grasa animal. Se aplicaron con los dedos, con algún utensilio a modo de pincel y en ocasiones soplando la pintura a modo de aerógrafo. También se usó el carbón vegetal para perfilar los bordes.

   Análisis formal: La cueva de Altamira mide 270 m. desde la entrada hasta el fondo. Podemos distinguir en ella tres zonas. La entrada, donde se cree que se desarrollaba la vida de los hombres primitivos, la sala de la pinturas, llamada la "capilla sixtina" del arte cuaternario y las estancias y corredores.
En todas las salas y en los espacios mencionados hay manifestaciones pictóricas, pero las mejores son las que están pintadas en la bóveda natural del segundo espacio, conocido como la "sala de las pinturas", que mide 18 m. de largo por 9 m. de ancho, con una altura que oscila entre 1 y 2 metros.
Las pinturas de esta sala siguen las características de la pintura franco-cantábrica. Hay representaciones de grandes animales, como el bisonte, del que se cuentan hasta dieciséis figuras en diferentes posturas, también aparece un caballo, dos jabalíes, una cabeza de toro y una enorme cierva que mide 2,25 m. En estas pinturas, el estudio de las formas anatómicas, del movimiento, del color y del volumen están plenamente resueltos. Los animales fueron pintados aprovechando las características de la roca, para dar así una sensación de volumen.
En cuanto al cromatismo, destacan los colores ocre, negro y rojo. En estas pinturas se representaban con detalle, los ojos, las crines y las pezuñas de los animales.
A pesar que no hay representación de la figura humana, sí que aparecen manos  otros elementos antropomorfos. 

   Comentario: En cuanto a la interpretación, hay diversas teorías, la primera es "el arte por el arte", el arte sería una necesidad del ser humano, ya que nace del ocio debido a la abundancia de recursos que se producen en el Paleolítico Superior. La segunda teoría es "la magia de la caza y la fecundidad", ya que la naturaleza en esta teoría no ofrece abundantes recursos, sino escasos y difíciles de conseguir. El arte sería parte de una ceremonia mágica para conseguir más caza. Eso explicaría porqué a veces aparecen animales heridos o animales preñados. La tercera teoría es "el totemismo", que se basa en una comparación antropológica con pueblos actuales. La cuarta teoría es "la complementariedad sexual" que consiste en atribuir a todos los animales representados un carácter simbólico, unos masculino y otros femenino.

   Restauraciones o modificaciones: En la actualidad el acceso a las cuevas de Altamira ha sido limitado para evitar que el microclima generado por la presencia de los visitantes en el interior afecte a la conservación de las pinturas. Para poder hacerse una idea del original se puede visitar la llamada Neocueva, réplica exacta que se ha construida en el exterior.

domingo, 16 de noviembre de 2014

Laocoonte y sus hijos.


   Descripción: Esta escultura que tuvo como autores a Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas; se localiza en los Museos Vaticanos de Roma. El tema de la obra es la mitología y su estilo es de la grecia helenística. Se esculpió entre los siglos III-II a.C.

    Aspectos materiales y técnicos: Esta obra está originalmente hecha de bronce y esta es una copia romana de mármol. Se presenta de manera frontal. Se muestra la figura del sacerdote que lucha por liberarse de las serpientes mientras que sus hijos parecen no tener la fuerza suficiente para escapar.

   Análisis formal: Las figuras se organizan a partir de la pirámide que dibujan las tres cabezas de los personajes, coincidiendo la cabeza del Laocoonte con el vértice superior. También se contempla una diagonal que cruza todo el grupo bajando desde la parte superior izquierda. El movimiento escultórico se ve reforzado por el dinamismo de las serpientes, que son el nexo de unión entre las figuras y la sensación de tensión que mantienen los cuerpos. Éstos, exageradamente trabajados en su musculatura para su edad muestran la perfección anatómica sobre todo en el Laocoonte, característica del periodo clásico. Por el contrario posee caracteísticas que la hacen indispensable del periodo helenístico, como son: el idealismo, la capacidad de representar las emociones humanas y que rompe con los canones de equilibrio y serenidad del anterior periodo. Los autores se fijan en la perfecta captación del sufrimiento de los personajes reflejadas en sus rostros. Aquí cabe destacar al Laocoonte con el realismo consegidoen la expresión del dolor con la frente arrugada y la boca abierta.

   Comentario: Según el mito de la guerra de Troya, el sacerdote troyano Laocoonte advirtió a los ciudadanos que no se fiaba del caballo de madera (lleno de soldados griegos) ofecido al dios Poseidón por los griegos en su supuesta retirada. Después dos serpientes salieron del mar y lo mataron junto a sus dos hijos. Los troyanos interpretaron esto como un castigo divino e introdujeron al caballo en la ciudad tal y como Sinón,un espía griego, les dijo avanzándoles que era un regalo de la diosa Atenea y si no lo aceptaban Troya sería destruida. Sobre la muerte del Laocoonte existen dos versiones: la primera un castigo de Apolo por haberse casado en contra de las órdenes del dios, y la segunda es la ya explicada. Los grupos escultóricos estaban pensados para decorar casas importantes como la Domus Áurea de Nerón en este caso. Cabe añadir que de los autores no se sabe mucho salvo que eran padre e hijos respectivamente y estaban grabados en uno de los grupos similar al Laocoonte. Otra datada en la misma cronología de esta es la famosa Victoria de Samotracia.

   Restauraciones o modificaciones: Como se menciona anteriormente esta obra es una copia en mármol romana de la griega de bronce. Se conserva muy bien con todos sus elementos constituyentes.    

domingo, 9 de noviembre de 2014

Las pirámides de Gizeh



   Descripción: Las piramides de Gizeh de los faraones Kéops, Kefrén y Mykerinos se localizan a las afueras de la ciudad de Gizeh, a 20 km de El Cairo. El autor de la pirámide de Kéops es Hemiunu y del resto se desconocen los autores. La obra es una arquitectura de estilo colosal y se encuentran bastante deterioradas.

   Aspectos materiales y técnicos: La obra esta hecha con grandes bloques de piedra. En las cimas de las pirámides existían picos de piedra caliza pero estos solo se han consevado en la pirámide de Kefrén. Se cree que su construcción pudo ser subiendo estos bloques con palos de madera haciendo el recorrido de izquierda a derecha ascendentemente, pero aún no se ha verificado este hecho. 

   Análisis formal: La pirámide de Kéops es de base cuadrada y cada lado mide 233 m, siendo su altura de 146 m, aunque actualmente mide 138 m. Realizada por mas de 2 millones de bloques de piedra de 2 toneladas. En su interior hay varios corredores, falsas estancias y trampas a pesar de lo cual fue saqueada en tiempos de faraones. La entrada se ubica en el norte, y de allí sale un corredor dividido en dos. En sentido descendente una galeria conduce a una cámara y en sentido ascendente, la gran galeria, desde donde llega a la cámara de la reina y a la antecámara y la cámara del faraón en el centro de la pirámide.
La de Kefrén, hijo del aterir faraón, mide alrededor de 140 m de altura. Al igual que la de Kéops estaba rematada con placas de oro y revestida de granito rosa. Junto a esta se encuentra la Esfinge de Gizeh considerada como el retrato de un faraón con cuerpo de león.
Por último, la de Mykerinos es la más pequeña y guarda la misma disposición que las anteriores. En el centro se hallaban los sepulcros del faraón y de su esposa, asi como sus dobles.

   Comentario: Esta obra considerada una de las 8 maravillas del mundo, cuya cronología data de 2551 al 2494 a.C. Durante la IV Dinastía en el Imperio Antiguo se llevo a cabo este magnífico conjunto funerario. En las historias de Heroto  se dice que su edificación duró más de 20 años y trabajaron en ella más de 120000 esclavos, prisioneros de guerra y en la etapa de la sequía, agricultores. La función de la pirámide era acojer el cuerpo del faraón junto a sus pertenencias que aseguraban su vida en el más allá. Para lograr la resurrección, el cuerpo debía estar incorrupto, por ello se llevaba a cabo la momificación, que en la spersona sd e alto linaje solían durar 70 días. Se procedía a la extracción de sus órganos y se sustituía por un amuleto en forma de escarabajo, signo de que no debía mentir en el juicio de Osiris. Estos órganos se guardaban en pequeñas jarras en cuya tapa se representaban a los cuatro hijos del Dios Horus. Otra obra arquitectónica posterior fue La Pirámide escalonada del Fraraón Zoser.

   Restauraciones o modificaciones: Estas pirámides se encuentran bastante deterioradas aunque hay que decir que no han sido restauradas.                               
 

lunes, 27 de octubre de 2014

La Venus de Willendorf

 
   
  Descripción: Esta escultura data del paleolítico, concretamente de la Edad de Piedra llamada así por la utilización de numerosos líticos principalmente el sílex. De autor desconocido, fue descubierta en la cueva de Willendorf en Austria por ello se llama así. Data del 24000 al 22000 a.C. y actualmente reside en el Museo de Historia Natural de Viena.

   Aspectos formales y técnicos:La Venus de Willendorf es una escultura pequena (tan solo 11cm) de bulto redondo, o sea, exenta. Esculpida en piedra caliza conserva rastros de coloración en la zona púbica. Tiene grandes abultamientos de vientre y nalgas, además de unos pechos exuberantes. Religiosamente hablando podríamos afirmar que representa la maternidad y la procreación. La cabeza la forman siete círculos concéntricos que tratan en cierto modo de imitar el cabello de forma muy primitiva. La anulación del rostro se ha relacionado con la voluntad de expresar una forma abstracta, como por ejemplo una diosa, más que con una persona en concreto.

   Análisis formal y comentario:En la época prehistórica es abundante la plasmación escultórica de la figura femenina, siendo también bastante conocidas La Venus de Lespugue en Haute-Garonne (20000 a.C.) y el bajorrelive representando una mujer, que sostiene una media luna en su mano derecha completamente desnuda, llamada La Venus de Lausselle (24000 a.C.). Para  muchos autores esta escultura podía representar una culturización hacia las diosas femeninas de la Abundancia, La Madre Tierra o hacia la Maternidad, Diosa-madre. Se podía considerar así ya que cuenta con grandes pechos que tienen leche y simbolizaban el primer alimento de la humanidad, la leche materna. En un tiempo tan primitivo como el que enfoca esta obra, el cuerpo voluptuoso representaba el deseo, la abundancia y la buena estíma social porque eran tiempos de gran escasez. Todos cazaban, recolectaban o realizaban cualquier otro tipo de trabajo que necesita de un gran esfuerzo físico. Por ello decimos que puede referirse a un ser religioso, porque ningún ser humano era físicamente así. Lo que la tribu quiere conseguir a través de este culto a las diosas es la continuidad de exitos para el grupo, que nunca se aleje de ellos la buena fortuna y que tengan al menos lo básico para vivir.

   Restauraciones o modificaciones:Por último cabe mencionar que esta escultura se encuentra en un estado óptimo y que no ha necesitado de ninguna restauración para mantener su forma y lo que quiere transmitir.
  



lunes, 19 de mayo de 2014

Autorretrato (1889)

Vincent van Gogh nació en Groot Zundert, Holanda, el 30 de Marzo de 1853. Fue hijo de Theodorus van Gogh (1822-85), un pastor de la Iglesia Reformada Holandesa, y de Anna Cornelia Carbentus (1819-1907). Desgraciadamente no existe prácticamente ninguna información relacionada con los primeros diez años de vida de Vincent. Estuvo dos años en un internado y posteriormente estudió dos más en la secundaria King Willem II en Tilburg. En aquel año, 1868, Van Gogh dejó sus estudios cuando tenía 15 años para no volver.
Quizá nos encontremos ante uno de los retratos más bellos y significativos de Van Gogh. Fue realizado en septiembre de 1889, inmediatamente después de su recuperación. Muestra a un hombre con una salud aceptable - bien alimentado y con el alcohol limitado a medio litro diario - pero con preocupaciones interiores como se demuestra en el gesto y la mirada de Vincent. Sabe que ha superado la fuerte crisis que se produjo en julio de 1889, pero teme una nueva recaída precisamente porque la enfermedad no le permite pintar. Su mayor deseo es crear, empleando una técnica muy personal; la línea ondulada se ha adueñado de la imagen, no sólo en el fondo sino que también se muestra en la chaqueta. El azul y el naranja - colores complementarios - realizan un interesante contraste, sin olvidar el creado por la línea marcada por los contornos (chaqueta, ojos, etc.) con la soltura y rapidez del resto de la composición. Pero por encima de las fórmulas estilísticas empleadas, sorprende la capacidad para mostrar su personalidad, como ya hicieron pintores como Rembrandt o Van Dyck en el Barroco.


3 de Mayo de 1808

Como del propio titulo se deduce, en el cuadro, un óleo sobre lienzo, se representa un hecho histórico. Concretamente los fusilamientos que tuvieron lugar en la madrugada del 3 de mayo de 1808 en la montaña de Príncipe Pío, a las afueras de Madrid. Este acontecimiento tuvo lugar como represalia por parte del ejercito napoleónico por el levantamiento popular que tuvo lugar el día anterior en las calles de Madrid y también reflejó Goya en su obra "El dos de mayo" o "la Carga de los mamelucos".
En esta obra Goya no sólo se muestra como un extraordinario pintor que refleja un hecho histórico del cual fue fue testigo; sino que, lo que resulta más novedoso, el pintor toma parte de manera activa en favor de los perdedores, los ejecutados, mostrando lo inhumano y cruel de la guerra. 
Toda la obra rebosa un dramatismo sin parangón, la luz, los gestos mezclados de heroicidad final frente al terror o al fervor religioso y los colores oscuros. Frente a esa galería de rostros de los condenados, los soldados nos dan la espalda, forman un muro infranqueable mostrándonoslo el pintor como una máquina ejecutora, sin rostro, sin humanidad. 
La figura de la camisa blanca y el pantalón amarillo, parece imitar el gesto de Cristo en la cruz, en una especie de sacrificio redentor, en este caso, en su lucha por la libertad frente a la opresión.

Frente a los pintores anteriores que habían mostrado la guerra desde la óptica del rey vencedor que se nos aparecía como un héroe extraído de las novelas de caballería ("Calos V en la Batalla de Mühlberg") o los que había querido representar la rendición bajo un ambiente de cordialidad y caballerosidad ("La rendición de Breda" de Velázquez); Goya nos muestras unos hechos que nada tienen de heroico o caballeresco. Goya pinta la guerra en su sentido más dramático sin tomar partido por un bando u otro pues la guerra deshumaniza a todos por igual. 

Cappella degli Scroveggni

La cappella degli Scrovegni de Padua fue mandada construir por Enrico Scrovegni entre 1303 y 1305, con el fin de expiar los pecados de su padre que había hecho fortuna gracias a la usura.
Nada más terminar la construcción de la capilla, Giotto se encargó de su decoración interior, creando uno de los más impresionantes conjuntos pictóricos de todos los tiempos. La vida de San Joaquín y Santa Ana, escenas de la vida de la Virgen, la vida y pasión de Cristo, el Pentecostés, la Anunciación y el Juicio Final, llenan todos los espacios de la capilla en grandes recuadros pintados al fresco que sumergen al espectador en un ambiente pictórico pleno. Una experiencia única.
La cappella degli Scrovegni ha sido restaurada en varias ocasiones. Como resultado de la última intervención, se ha recuperado toda la vistosidad y grandeza de la obra de Giotto. Además, se ha reformulado el acceso a la capilla de manera que las visitas no afecten a la conservación del monumento, a la vez que el visitante puede disfrutar de las obras de Giotto sin los agobios habituales en este tipo de recintos.

viernes, 16 de mayo de 2014

W.Kandisnky. Composición IV.

Esta obra de Wassily Kandinsky, está pintada en óleo sobre lienzo y es del arte abstracto, concrétamente de abstracción lírica.

Su obra Composición IV (1910- 1913) muestra una serie de lineas, colores y formas sin ninguna relación con la realidad exterior. El lienzo dominado por colores muy vivos, expresa un estado emocional. Cada color comunica un sentimiento y a un sonido. Música y pintura están vinculadas.Todo es como una explosión de fuegos artificiales, no hay ni la más remota idea de paralelismo, ni de simetría, y por supuesto es casi imposible encontrar una ligera similitud con cualquier tipo de pintura figurativa. El artista necesita exteriorizar una necesidad interna, y lo hace mediante este estilo.

Kandinsky considera los colores y las formas en sí mismos como los medios más puros para la expresión pictórica de una emoción. Para ello necesitó buscar el ritmo, la construcción abstracta, el dinamismo del color. Las obras de esta época, que, en contraste con la evolución posterior hacia una abstracción más geométrica, se suelen denominar su “período dramático”. Conservan muchas veces resonancias figurativas que se relacionan todavía con sus primeros temas de leyendas, con jinetes, montañas, batallas y temas religiosos.
Una vez que decide dedicarse a la pintura, se traslada a Munich. El cartel de su primera exposición está realizado en la línea del Jugendstil (estilo joven, considerado la versión alemana del modernismo). Entre 1903 y 1907 realiza múltiples viajes por Europa y el Norte de África. De estos viajes se conservan paisajes y escenas urbanas, así como un ciclo dedicado a exaltar el folklore del pueblo ruso. Crea en 1911 el grupo Der Blaue Reiter junto con Franz Marc. El pintor Kandinsky es considerado el padre del arte abstracto, ya que llega a la liberación del color y de la forma de una manera absolutamente consciente y apoyada en una serie de teorías que elabora en los años precedentes a 1910. Las teorías tienen además su parte práctica, representada por su producción pictórica. 
La aportación de Kandinsky al arte abstracto es tanto teórica como práctica, vertientes que no siempre están perfectamente de acuerdo; la primera es más amplia y va más allá que la segunda. 

jueves, 15 de mayo de 2014

EL GRAN MASTURBADOR


Se trata ésta de una de las obras de mayor importancia de Salvador Dalí, la cual nos introduce de lleno en el Surrealismo. Fue realizada en la época más creativa del autor (1929).
Esa gran masa amarillenta representa un autorretrato del pintor, quien era muy pálido y con una enorme nariz. Es una obra sumamente autobiográfica en la que aparecen reflejados multitud de sus miedos u obsesiones. La langosta de forma fálica situada donde debiera estar la boca, es una de las fobias del pintor: le aterrorizaban de niño. Las conchas y guijarros, hacen alusión a la playa, a su infancia, mientras que las hormigas que están en el vientre de la langosta y que ascienden por su cara, son clara referencia a lo putrefacto, a lo descompuesto...a la muerte en definitiva.

Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo. Presenta una factura lisa, la pincelada apenas se nota.
El tema representado es bastante complejo. Aparece una gran masa amarillenta y angulosa de cuyo extremo superior izquierdo( desde el punto de vista del espectador) surge la cabeza de una mujer que se acerca a unos genitales masculinos. Además están representados una cabeza de león, una langosta, unos personajes que pasean solitarios y un lirio, todo ello de carácter simbólico.
La composición es estática y simétrica aunque ligeramente descompensada en cuanto a las masas hacia la izquierda. El horizonte es amplísimo y se funde con la línea del suelo de forma difusa.
Predomina el dibujo , utilizando una línea nerviosa en ocasiones, jugando mucho con las curvas. Los colores empleados son brillantes y juega con la combinación entre fríos y cálidos de forma magistral.
Una luz fría e irreal invade toda la composición dándole un aspecto de ensoñación. Las sombras negras inquietantes que se proyectan indican la presencia de un foco de luz dirigido desde la izquierda (según miramos el cuadro), provocando grandes contrastes entre las zonas iluminadas y las que se encuentran en penumbra.
El espacio se sigue entendiendo al modo clásico, se valora el volumen de las figuras y la perspectiva lineal. Como es habitual en el autor, la visión se produce desde un punto elevado, lo que baja la línea del horizonte y permite una larga perspectiva que crea un ambiente, de nuevo, de fuerte extrañamiento.
Las figuras representadas son muy diferentes entre sí. Mientras que la mujer, de líneas ondulantes, se relaciona con el prototipo de mujer modernista, el hombre al que se acerca parece más una escultura, es algo frío, pétreo.

PAULINA BORGUESE



La imagen que vamos a comentar es una escultura del bulto redondo con función decorativa (retrato).Su autor fue Antonio Canova y esta actualmente en la galería borghese de Roma. Su estilo es el neoclásico (1805-1808).

El tema de la obra es la fama que el escultor fue cosechando hizo posible que realizara numerosas esculturas para Napoleón Bonaparte entre ellas ésta de su hermana pequeña, la predilecta del emperador, Paulina Borghese o Paulina Bonaparte. 


La joven ha sido representada siguiendo los modelos de las Venus victoriosas de la antigüedad clásica: recostada sobre un sillón, la hermana de Napoleón sostiene la cabeza con su mano mientras la otra descansa sobre su pierna, esta misma postura fue utilizada en numerosas ocasiones por los artistas para representar a la diosa del amor, por ejemplo Boticelli en su obra Venus y Marte. Parece ser que la belleza y la reputación de la dama hicieron que muchos en la época la consideraran una verdadera diosa del amor. 

Descripción: Desnuda de cintura para arriba, un fino paño cae por el respaldo del sillón y se ajusta a sus piernas cubriendo su desnudez. El cabello aparece recogido en una coleta despeinada y tan solo una pulsera adorna su bello cuerpo. En la mano que reposa sobre su pierna, una manzana hace referencia al mito de Paris y la belleza de Venus. 

Si bien es cierto que Paulina Borghese tan solo contaba con veintitres años en el momento en que Canova la retrató, la pericia del maestro hace que ésta adquiera un porte muy maduro y sensual; su mirada perdida acentúa aún más el sentimiento de relajación y belleza que trasmite la hermana del emperador. 

 La obra  realizada en bulto redondo, cuenta con una composición triangular y equilibrada. Con sumo cuidado el conjunto escultórico es una muestra de movimiento en acto, parece como si el espectador pudiera observar a esta Venus victoriosa mientras ella gira la cabeza de manera distraída y pensativa.

La obra, tallada completamente en mármol pulido, adquiere una gran calidad en la representación de los materiales destacando la representación del diván sobre el que la joven aparece recostada así como el paño que cubre su desnudez. La luz incide brillante y de manera regular en toda la composición alejándose de los claroscuros y sombras que incitan al dramatismo. En la escultura de Paulina todo es armonía y equilibrio. 

LA DUDA DE SANTO TOMÁS


La duda de Santo Tomaś es una escultura tallada en piedra, podríamos decir que es un relieve de estilo románico cuyo autor desconocemos y se localiza en el Claustro del monasterio de Santo Domingo de Silos (Burgos).
Esta obra muestra un original planteamiento compositivo.Cristo no ocupa el centro de la composición sino que está desplazado a la izquierda, pero sigue siendo el centro de atención ya que la mayor parte de los apóstoles miran hacia él.Su brazo derecho, levantado para mostrar sus llagas al incrédulo, rompe la homogeneidad compositiva y reclama la mirada del observador.




El planteamiento general sigue rigurosamente los preceptos románicos para este tipo de escultura: primero, todos los personajes ,excepto Jesús,  quedan situados a la misma altura gracias a la yuxtaposicon en tres frisos super puestos de figuras de igual tamaño.En segundo lugar se conforma un espacio geométrico delimitado por el arco de medio punto que se apoya en las dos finas columnas,rematadas con capiteles de inspiración corintia, tercero, los personajes se adaptan al marco arquitectonico y la figura de Cristo es mayor que el resto en cumplimiento de la jerarquía tradicional.

La acción que inicia el brazo alzado de Jesús se completa con el gesto de Santo Tomás, que toca la herida con su dedo, y la agitación espiritual de los apóstoles, reflejada en las posiciones totalmente antinaturales de sus piernas y en la variada gesticulación de sus manos.Estos indicios de movimiento suavizan el hieratismo característico del Románico.BURGOS. ABADIA DE SANTO DOMINGO DE SILOS. CLAUSTRO. DUDA DE SANTO TOMÁS. SIGLO XI. (Postales - España - Castilla y León Moderna (desde 1940) - Burgos)

martes, 6 de mayo de 2014

La cometa. Goya.

Esta obra, llamada "La Cometa" es una de las obras más destacadas de Goya, que fue un pintor que evolucionó desde el rococó que impregna sus frescos y cartones para tapices, a autor de una obra personalísima como las "Pinturas negras", pasando por ser pintor de la corte de los reyes Carlos IV y Fernando VII. La Cometa está expuesta en el Museo del Prado, París. Esta obra está pintada en un lienzo con pinturas de oléo. El 26 de enero de 1778 Goya entregaba la segunda serie de cartones para los tapices que iban a decorar el comedor de los Príncipes de Asturias en el Palacio de El Pardo, serie formada por cuatro escenas entre las que destacan la Cometa, y otras como los Jugadores de Naipes. Por esto, el artista pedía 7.000 reales de vellón. Goya representa en sus cartones el mundo de los majos y majas madrileños, captado con tal naturalismo que provoca que el espectador se "introduzca" en la imagen y participe en la escena. Las figuras están colocadas en una estructura piramidal en primer plano, mientras en un segundo plano los majos y la mujer están más difuminados por efecto de la luz y el polvo del lugar. El colorido es muy vivo e intenso, aplicado con pinceladas rápidas y certeras, interesándose por todos los detalles de los trajes de los majos, que han pasado en la actualidad a llamarse "goyescos".El hombre fumando del primer plano y el gesto del embozado, que mira descaradamente el escote de la mujer aprovechando que ella no mira.

lunes, 5 de mayo de 2014

Museo Del Prado

                                                           


                                                               MUSEO DEL PRADO

                                 

                                                       


En los últimos años del reinado de Carlos III, el 30 de mayo de 1785 se encarga a Juan de Villanueva el proyecto del Gabinete de Ciencias de Historia Natural y Academia de Ciencias, obra impulsada por el conde de Floridablanca y que actualmente alberga el Museo del Prado.
El edificio se concibe como tres cuerpos o edificios autónomos, pensados con total independencia de uso e incluso de imagen al exterior, cada uno de ellos con accesos diferenciados.
Al espacio central se accede a través de un pórtico hexástilo, de columnas toscanas, con un riguroso entablamento y una pronunciada cornisa, rematada con un ático cuadrangular. Ante este pórtico se levanta la estatua de Velázquez que da nombre a la puerta.
El espacio central se une con los volúmenes cúbicos de los extremos a través de dos alas longitudinales, integrando así de manera acertada cinco células diferenciadas e independientes.
El pabellón norte se organiza en torno a una rotonda cobijada alrededor de una estructura cuadrada. La fachada se resuelve con un pórtico jónico in antis que sostiene un entablamento. Esta fachada corresponde a la segunda planta del edificio, al quedar la primera originalmente bajo el desnivel del terreno, accediéndose a través de una rampa. Al allanarse el nivel del suelo hasta el suelo real de edificio, se ha construido una escalinata para acceder a la primitiva puerta, desfigurándose la concepción original de Villanueva. Al levantarse una estatua de Goya enfrente de este acceso recibe el nombre del famoso pintor aragonés.
El pabellón sur es palaciego, empleando el orden corintio y apreciándose una clara influencia italianizante, articulándose en torno a un patio cuadrado y una estructura circular que hoy alberga una de las obras más famosas de la pinacoteca: la Familia de Carlos IV de Goya. La fachada sur presenta dos plantas: en la inferior se encuentra una gran puerta de acceso constituida por un vano adintelado mientras que la superior está constituida por una logia configurada por seis columnas de orden corintio que sostienen un entablamento.
Las amplias salas centrales del edificio son abovedadas, destacando la rotonda norte constituida por ocho columnas de orden dórico y cubierta con bóveda de casetones.
Al exterior, el edificio presenta dos plantas, mostrando en las alas longitudinales una logia adintelada en la superior y una arquería ciega en la inferior, alternando los arcos con hornacinas cuadrangulares en las que se ubican grandes maceteros y estatuas. Sobre estas hornacinas se encuentran medallones con las efigies de importantes escultores, pintores y arquitectos hispanos.
Una de las características definitivas de esta construcción es la alternancia entre piedra y ladrillo, que se convertirá en una constante de la arquitectura de Villanueva y en una significativa influencia en la madrileña arquitectura contemporánea.
La simplicidad del diseño, su alineamiento horizontal y el carácter de su volumen abstracto han sobrevivido casi intactos a través del tiempo. Su disposición cúbica y maciza resume el espíritu del neoclasicismo. Sin embargo, también la obra de Villanueva acrecienta su monumentalidad por su relación con la vasta explanada delantera con la que condesciende en su longitud y altura visual. La planta está sustentada en diferentes episodios formales que responden a distinta función. Tal funcionalismo se refleja en la propia separación en dos niveles distintos (bajo y alto) de la actividad científica y en las propias entradas con deliberada orientación opuesta. Se ha calificado su diseño de voluntad diacrítica ya que cada cuerpo se independiza formal y volumétricamente. Sin embargo, el enlace estructural se logra por la unidad de los materiales y una sincronización armónica de los cuerpos diferenciados. Su heterogeneidad es un valor añadido, como lo es también su analogía con la arquitectura religiosa por su inserción central basilical, su pronaos y el zaguán que evoca el espacio transicional de un nártex.

Fauvismo.La Danza



Esta obra se trata de "La Danza" de Henri Matisse,pintor fauvista del siglo XX. En esta obra el autor explota el efecto calmante del color,ya que en sus obras buscaba que la gente encontrase paz y tranquilidad.
De esta obra se han hecho dos versiones,ésta en 1909 y otra en 1910.

En este cuadro,ejecutado con la técnica de óleo sobre lienzo,podemos observar a cinco mujeres bailando en corro,rompiendo el circulo que componen la rectangularidad del lienzo.Una línea irregular divide el cielo color azul con la tierra de color verde simulando cesped.

Observamos que entre la figura de izquierda y la del medio no llega a haber contacto,pero rellena el hueco con el amago de darse la mano de ambas figuras,pero sin parar el movimiento.Las manos forman un corazón de lado.Para esta composición usa tres colores para imprimir movimiento a las bailarines que parecen flotar con ritmo.Las cinco figuras tienen cortonos firmes en marrón y sus cuerpos color carne están ligeramente deformados debido a la pasión en la que están inmersos debido al poder del ritmo que todo lo consume.

Con los colores del cuadro,el artista logra que el espectador asocie el color a diferentes sensaciones temáticas y emocionales.Los colores calientes se asocian a la vida,la alegría y la vitalidad,mientras que los tonos fríos transmiten sensaciones de tranquilidad,melancolía e incluso tristeza.

El baile para Matisse personifica el ritmo y la alegría de vivir. Esta se transmite de forma contagiosa e inconsciente.

Es muy inovador y destacable que en este cuadro es la escena la que se ajusta al marco y no al revés,como observamos en las figuras de arriba que tienen que agachar la cabeza y los hombros para no salirse del cuadro.
Observamos que el cuadro posee las características típicas del fauvismo como son el uso de los colores puros,las perspectivas forzadas y la exageración del dibujo.Al parecer Matisse compró el cuadro de Cézanne llamado Las Bañistas y es ahí donde encuentra inspiración para esta y otras obras que realizó.En este cuadro se plasma la esencia del estilo de Matisse

Ésta obra se encuentra en el museo de arte moderno de Nueva York.Otras obras destacadas de esta corriente y artista son :Lujo,calma y voluptuosidad, La odalisca con pantalones grises o Retrato de la Sr.Matisse,entre otros.

jueves, 1 de mayo de 2014

Villa Saboya. Le Corbusier.


Esta arquitectura fue construida entre 1929-1931 por Le Corbusier (1887-1965) y conocido mundialmente por “La Casa o Villa Saboya”, se ubica en Poissy-sur-Seine, en las cercanías de París (Francia). Se encuentra en perfecto estado de conservación. 

Un rasgo esencial que marca la evolución de la arquitectura del siglo XX es el avance en cuanto a los materiales y la técnica, cada vez más perfeccionados y sofisticados.
El uso de los nuevos materiales (hormigón armado, cristal) le permite la codificación técnica y formal de la nueva arquitectura en la Maison Domino, de 1914 (que será la base estructural de la mayoría de sus casas). Le Corbusier era partidario de utilizar materiales prefabricados.

El conjunto de Villa Saboya es una composición cúbica, asentada sobre pilotes (columnas de 
hormigón armado que forman parte del armazón estructural). Las superficies planas y lisas excluyen toda sensación de gravidez, subrayando la preocupación de Le Corbusier por los abstractos bloques espaciales. Está concebida como un continuum funcional a lo largo de los diferentes niveles distribuidos por una rampa de suave pendiente que une conceptualmente entre sí las funciones que se desarrollan en el interior de la casa con las que se desarrollan sobre el techo jardín. Esta rampa se inicia en el plano inferior, el de los pilotes, y termina precisamente sobre la terraza jardín. 

En su interior hay habitaciones a la vez abiertas y cerradas, separadas por tabiques acristalados corredizos. Dentro de la casa seguimos en comunicación con el exterior puesto que por todas partes puede verse el cielo y el terreno circundante. Sin embargo, se disfruta de una completa intimidad ya que ningún observador situado al nivel del suelo puede ver el interior. De este modo, el funcionalismo de Villa Saboya está determinado por un «diseño para la vida cotidiana» y no por una simple eficacia mecánica. 

Villa Saboya ofrece magistralmente los «cinco puntos» de la nueva arquitectura: Construida con hormigón armado, se levanta, aislada del suelo, sobre un sistema de pilotes que elevan la masa sobre el suelo. Entre los pilotes se sitúa la zona de garaje y servicios con acceso directo del automóvil. Planta libre, conseguida mediante la separación entre las columnas de carga y las paredes subdivisoras del espacio (pudiendo distribuirse como se quiera). Fachada libre al perder el muro su función sustentante. 
No hay fachada principal. La fachada carece de elementos decorativos. La larga ventana horizontal deslizante o «fenétre en longueur», uniformiza la entrada de luz. Esta amplitud longitudinal permite que el espacio exterior (natural) se integre en el interior (artificial). La cubierta plana es transformada en jardín, sustituyendo al tejado y recuperando así la zona de suelo cubierta por el bosque. 

En la exposición que en 1932 organizaron en el MOMA de Nueva York, Hitchcock y Johnson codificaron las reglas y normas de la nueva arquitectura que fueron recogidas en un libro con el sugerente título The international Styie: Architecture since 7922, en el que decían que «este estilo contemporáneo que existe en todo el mundo es unitario e inclusivo, no fragmentario ni contradictorio», quedando definida la producción que caracteriza al Estilo Internacional.

De todas las corrientes arquitectónicas de la primera mitad del siglo XX, la más importante es el racionalismo, de la cual  Charles Edouardjeanneret (Le Corbusier) es la figura clave.

El funcionalismo está íntimamente ligado al progreso industrial, por eso técnicamente las producciones industriales (automóviles, barcos, aviones) aparecen como modelos para la nueva arquitectura. 

Puede afirmarse que su racionalismo está muy ligado al racionalismo clasicista y estructural, a los principios de lo «clásico». De ahí su admiración, por ejemplo, ante el Partenón o los edificios de la antigua Roma.

Le Corbusier ha sabido reducir magistralmente las formas arquitectónicas a las más puras y esenciales: el cuadrado en superficie y el cubo y cilindro en el nivel volumétrico. El espacio interior de sus viviendas, pensado racionalmente, está diseñado de acuerdo con la función que ha de cumplir. 

Después de la ya nombrada Maison Domino, vendría la Maison Citrohan, en 1920, de tres pisos. Ambas anticipan claramente lo que formulará en 1926 con el título de Los cinco puntos de una nueva arquitectura, que tienen su más perfecta aplicación en la Villa Saboya.

martes, 29 de abril de 2014

David: Juramento de los Horacios





Podrían decirse infinitas cosas acerca de este lienzo, tal vez uno de los más famosos de su autor, junto con la Muerte de Marat. Representa todo un hito en la historia del arte francés y suele ponerse como ejemplo de la pintura neoclásica. Los dos referentes inmediatos para la obra son el teatro de Cornaille.El teatro había sido renovado en Francia como escuela de costumbres y moralidad. Los temas se extraían de la antigüedad, con historias edificantes que renovaran la corrupta sociedad del Antiguo Régimen. Debemos tener presente que la Revolución Francesa tendría lugar tan sólo cinco años después. Por otro lado, Poussin, artista del siglo XVII, era tenido por la generación neoclásica como el gran modelo de lo que debía ser la pintura: basada en el dibujo, en la perfección de la línea, con luz homogénea y blanca, con composiciones equilibradas sobre estructuras geométricas... Estas técnicas son las que traduce a un lenguaje moderno el propio David veíamos cómo el joven artista anticipaba el rigor de una obra teatral al ritmo narrativo de un cuadro. Pero es en el Juramento... donde alcanza un mayor relieve la doble estructura: unidad de lugar, tiempo e historia por un lado, por otro, reparto en tres actos de la narración. Estos tres actos o momentos están marcados físicamente por los grupos de personajes y por los tres arcos de la arquitectura de fondo. La historia se remite al origen legendario de Roma, que está en lucha con la ciudad de Alba, en el siglo VII a.C. La guerra será resuelta mediante el combate singular de tres campeones romanos y tres campeones albanos. Los designados son los tres hermanos de la familia de Horacio, por la parte romana, y los tres hermanos de los Curiati, por parte de Alba. Sin embargo, el caso está complicado por el hecho de que estas dos familias están ligadas por sendos matrimonios: una hermana de los Horacios con un hermano de los Curiati, y viceversa. Así pues, los tres momentos resumen en primer lugar, la declaración de guerra de los tres hermanos, el juramento de fidelidad a Roma que les toma su padre sobre las espadas que llevarán a la lucha, y la desesperación de las mujeres, que se apartan del ritmo histórico para llorar en su privacidad. La pintura neoclásica tiene por norma diferenciar el espacio masculino y el femenino. El masculino es el espacio público, el de la guerra o el trabajo. El espacio femenino será siempre el hogar, la intimidad, y sus labores llorar a los héroes muertos o realizar las tareas domésticas.

Gauguin: El Cristo amarillo.




El Cristo amarillo es un cuadro pintado por Paul Gauguin en septiembre de 1889 en Pont-Aven (Bretaña) y que fue acabado en el mismo año en Le Pouldu. Tiene unas medidas de 92,1 x 73,3 cm, y se encuentra en el Museo Albright-Knox en Buffalo, Estados Unidos.

Esta obra sigue la técnica del cloisonné, que se inspira en los esmaltes y en las vidrieras. Como se puede observar, el cuadro está compuesto con grandes manchas de colores y está delimitadas con gruesos contornos en negro o azules. 
Esta obra pertenece al flauvismo, influenciado por van Gogh, donde es la mancha de color la que predomina en el lienzo. Incluso el mismo Gauguin, llama su estilo sintetismo ya que intenta hacer llegar al sujeto, los sentimientos que él transmite en el cuadro. 

En este cuadro, predomina los tonos cálidos, como por ejemplo los amarillo, que están en la mayoría del cuadro. Incluso en el tema central de la obra. Estos colores reflejan el tiempo otoñal bretón, por eso el color tiene que ver con el significado real de la obra. La tradición bretona, da un significado espiritual en otoño considerándola como una "crucifixión" de los cultivos que resucitan en primavera.

Para la figura central del Cristo, Gauguin se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, de autor anónimo, que se encuentra en la capilla de Trémalo, a las afueras de Pont-Aven. Solo cambió la palidez de la escultura, por el amarillo en su obra. 
Junto a Cristo, en la obra se muestran a tres mujeres, que hacen una interpretación de las tres Marías en la crucifixión. Parecen que están incluso rezando a los pies del Cristo, incluso se llega a pensar de que Cristo es una visión que tienen las tres mujeres. 
Como título casi anecdótico, otro tema que se ve en la obra es a un hombre saltando una valla que separa los campos de bretaña. Esto puede que sea una reivindicación del autor a las evasiones que se producen en Bretaña. 

En el mismo año en que Gauguin pintó esta obra, volvió a pintarla pero con un autorretrato, llamándola: Autorretrato con Cristo amarillo. Parece que es un cuadro dentro de otro cuadro. Incluso lo representa tan bien que parece que está reflejado el Cristo en un espejo e incluso, muestra similitud con su propio rostro. 











lunes, 28 de abril de 2014

Francisco de Goya: El 2 de mayo de 1808.


Esta pintura se trata del 3 de mayo de 1808, cuyo autor es el español Francisco de Goya. Fue pintada en 1814 sobre un lienzo de 268, 5 cm x 347,5 com. Actualmente, esta obra se encuentra expuesta en el Museo del Prado en Madrid.

 Goya es uno de los mayores creadores de todos los tiempos. A prendió el oficio en Zaragoza y en 1770 viajó a Italia, donde estudió a los maestros italianos y adquirió la estética neoclásica. Más tarde, tras su regreso a España, se convirtió en el retratista más renombrado de la corte y Carlos IV, lo nombró pintor de cámara. 
Con la posición de Goya durante la Guerra de la Independencia, supuso que perdiese sus privilegios. A continuación, se marchó al exilio a Burdeos dónde murió. 

El contexto que se ve proyectado en esta pintura es el siguiente: Finalizada la guerra de la Independencia en 1813, el regreso a España de Fernando VII se había conocido desde diciembre de ese mismo año, por el tratado de Valençay así como su entrada en Madrid. A pincipios de febrero, la cuestión era inmininte, habiéndosele enviado las condiciones de su vuelta al trono, como jura de la Constitución de 1812, y su llegada a la capital iba a coincidir con la primera conmemoración del alzamiento del pueblo de Madrid contra los franceses del 2 de mayo de 1808. Lo que realmente quiere expresar mediante esta pintura, es la crítica hacia esta situación y hacerles ver a la sociedad lo que realmente está ocurriendo en Madrid.

Goya ha querido representar aquí un episodio de ira popular: el ataque del pueblo madrileño, mal armado, contra el ejército francés. En el centro de la composición, un mameluco, soldado egipcio bajo órdenes francesas, cae muerto del caballo mientras un madrileño continúa apuñalándole y otro hiere mortalmente al caballo. Al fondo, las figuras de los madrileños, con los ojos desorbitados por la rabia, la ira y la indignación acuchillan con sus armas blancas a jinetes y caballos mientras los franceses rechazan el ataque e intentan huir. Es significativo el valor expresivo de sus rostros y de los caballos, cuyo deseo de abandonar el lugar se pone de manifiesto como el miedo de sus ojos. Goya recoge con sus pinceles cómo pudo ser el episodio que encendió la guerra con toda su violencia y su crueldad para manifestar su posición contraria a esos hechos y dar una lección contra la irracionalidad del ser humano, como correspondía a su espíritu ilustrado. La ejecución es totalmente violenta, con rápidas pinceladas y grandes manchas, como si la propia violencia de la acción hubiera invadido al pintor. El colorido es vibrante y permite libertades como la cabeza de un caballo pintada de verde por efecto de la sombra. Pero lo más destacable del cuadro es el movimiento y la expresividad de las figuras, que consiguen un conjunto impactante para el espectador.
Tras los estudios realizados, sabemos que el cuadro se pintó con el título en la parte superior del lienzo, pero fue borrado. Esto nos da a entender que fue pintado como modo de pancarta. 






sábado, 26 de abril de 2014

Francisco de Goya:La Duquesa de Alba



Esta obra se trata de un retrato de Maria del Pilar Cayetana de Silva-Álvarez de Toledo(1762-1802),de manos de Francisco de Goya,precursor de la pintura de vanguardia del S.XX,en 1795.Se trata de un óleo sobre lienzo de 194x130cm.Éste fue el primer retrato de la duquesa realizado por Goya,de los muchos que realizó en la vida.

Goya utiliza en esta obra su técnica del retrato,que ocupa la mayor parte de su obra.Eran rápidos,pero bien trabajados retratos.Su pincelada la"estrategia de la ilusión"ue aprendida de Velázquez.
Em esta obra vemos algunas de las características de su estilo,como la factura de su pincelada,de una libertad total y dominio completo de la materia,el color y la pasta,elemento dominantes en sus cuadros.Centra su atención en la figura humana,el marco ambiental pierde importancia,en este caso con un colorido armonizado de tonos ocre y grises.Representa la verdad y no se detiene ante lo mas horrible;pinta lo bello con delicadeza exquisita,como observamos en este caso ante el delicado tratado del vestido,pero también supo destacar lo feo.

Los retratos hechos de la duquesa,como este,son de gran calidad.Éste fue el primero,antes de que enviudase y en el que aparece vestida por completo a la moda francesa,con traje blanco que contrasta con los vivos rojos del lazo que ciñe su cintura,al igual que el perrito que la acompaña,símbolo de la fidelidad,posiblemente la que le profesaba el mismo pintor.Su gesto nos muestra una personalidad extrovertida,por la que se le caracteriza.

La duquesa de Alba,era una de las mujeres mas atrayentes del Madrid de la Ilustración.Su belleza era admirada y cantada por poetas y músicos.Siempre se ha hablado de una posible relación amorosa entre el pintor y la duquesa,ya que tras conocerse la duquesa tuvo mucho interés en ser retratada por Goya,de ahí sus numerosos retratos,e incluso llegó a instalar al pintor en su palacio madrileño.La duquesa tuvo tal devoción por el artista que incluso se dice de llegar a pedirle a su marido que se hiciera el principial mecenas del artista.Lo cierto es,que nunca se llegó a saber si el pintor y la duquesa fueron amantes o sólo buenos amigos.

El 23 de Julio de 1802 muere la duquesa Cayetana con 40 años de edad.También se ha especulado mucho sobre su muerte,culpando a la reina Maria Luisa de Parma de ella,amante obsesiva del político Godoy quien tuvo una obsesión incondicional por la duquesa,llegando a reunir todos los cuadros de ésta realizados por Goya.Pero también es cierto que los últimos años de su vida la duques ano gozaba de buena salud.
Actualmente el cuadro se encuentra en el Palacio de Liria,perteneciente a la fundación Casa de Alba.

miércoles, 23 de abril de 2014

El rapto de las sabinas. Jacques-Louis David.


Aquí podemos observar una pintura del autor Jacques-Louis David titulado ''El rapto de las sabinas'' y realizado en 1799. Su estado de conservación es bueno. Esta obra se encuentra en el Museo del Louvre, en París.

David prefiere hacer gala en esta obra de un clasicismo exhaustivo, dejando atrás su clara prioridad por el Romanticismo. David sustituye lo emotivo por un estilo más sensual y clásico en la línea del más puro estilo griego que Winckelmann tanto reivindicaba. En el mundo griego se valoraba ante todo el desnudo masculino, que es protagonista en esta composición. La obra no fue comprendida, los cuerpos masculinos fueron tachados de andróginos. Si en los Horacios los cuerpos permitían adivinar las venas y la tensión muscular, en las Sabinas nos parecen esculturas clásicas deambulando por un friso. Como se acaba de decir, la composición es en friso, no existe el efecto de profundidad, el dibujo predomina. 

En primer término se desarrolla la escena principal, formada por figuras que parecen inmóviles, como congeladas para la eternidad. Estas figuras expresan la tensión contenida de la lucha. En cambio, en el segundo plano asistimos a figuras en tensión y pleno dinamismo, que se pone de manifiesto en los ojos extraviados de los caballos y exageraciones de sabinas.
En el centro del cuadro, vestida de blanco con los brazos abiertos se encuentra Hersilia, se encuentra entre su marido Rómulo y su padre Tito Tacio, que lidera a los sabinos, al otro lado se encuentra Rómulo,  se le reconoce por la loba representada en su escudo. 
Representa a las Sabinas que se interponen entre dos ejércitos. Para evitar la guerra, a la derecha están sus maridos (romanos), en el otro lado se encuentran sus padres y hermanos los "Sabinos". Para ello llevan a sus hijos para mostrarlos a sus familiares, la acción tiene lugar en Roma al pie del Capitólio. Gracias al coraje de las Sabinas la guerra se evitó.
La historia es mitológica, describe el secuestro de mujeres de la tribu de los Sabinos por los romanos. Cuando Roma fue fundada solo había hombres. Para solucionar el problema Rómulo (su primer rey) organizó unos juegos en honor de Neptuno, para ello invitó participar a los pueblos vecinos. Los Sabinos asistieron acompañados con sus mujeres, los romanos las secuestraron, años más tarde los padres y hermanos decidieron liberarlas, pero ya era demasiado tarde, pues habian tenido hijos con los romanos. 
Son pocos los personajes y caballos representados, la multitud la imaginamos por las lanzas y los estandartes. 


David no escogió el tema por casualidad. En la Revolución Francesa el pintor era diputado de la Convención, era amigo de Robespièrre, que fue guillotinado, y el pintor fue encarcelado en el Palacio de Luxemburgo (París). 

En prisión, David comenzó a pensar en el tema del cuadro, quería hacer a través de él una llamada para reunir a los franceses después del periodo del "Terror Revolucionario".

Esta pintura se encuentra en perfecto estado de conservación, como ya se ha dicho anteriormente y no ha sufrido ninguna modificación, ni restauración.

Las señoritas de Avignon. Pablo Picasso

Nos encontramos ante el cuadro de ''Las señoritas de Avignon'' (1907) del pintor Pablo Picasso. Es una obra de óleo sobre lienzo y se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En la pintura del siglo XX, hay una ruptura con lo anterior y también hay una creación de un lenguaje nuevo y opuesto a lo anterior.
Esta pintura reflejaba el mundo artístico desde 1900 hasta la Segunda Guerra Mundial.
El arte es o pertenece al artista el cual ahora elige temas y formas para expresar su interioridad personal. A veces se requiere la participación del espectador para que interprete el cuadro con su propia subjetividad.
La pintura pertenece a las vanguardias donde se deforma voluntariamente partiendo de la realidad. 

Una de las vanguardias de esta época era el cubismo que surge en París en 1906. Mediante esta rama, el artista reduce las formas de la naturaleza a pura geometría y presenta al espectador el objeto bajo varios puntos de vista.
El origen del cubismo se establece en 1906-1907 cuando Pablo Picasso termina este cuadro, el cual anuncia una época nueva en el arte.
Los creadores del cubismo fueron Picasso y Braque, principalmente, aunque también podemos señalar a Juan Gris y los hermanos Duchamp entre otros. Tiene influencia de las pinturas de Cézanne y de Geoge Seurat.
La primera etapa del cubismo fue conocida como cubismo analítico, donde el sujeto del cuadro se estructura geométricamente. Las primeras obras de esta etapa fueron paisajes pintados por Picasso (1909) y otros pintados por Braque (1908)
Otra etapa fue la sintética a finales del año 1910, donde predominan algunos elementos utilizados en el período anterior y donde se desarrolla el ''collage'', creado por Pablo Picasso.
También surge el período cubista clásico, aunque fue antinaturalista.

Para pintar este cuadro, Picasso realiza un primer boceto a lápiz negro y pastel sobre papel. Aquí aparecería un grupo de cinco mujeres y dos hombres. Estos se situarían delante de una mesa redonda donde hay un bodegón pintado. Por otro lado, unas mujeres se distribuirían sentadas y otras de pie.
Más tarde, el autor hace un segundo boceto de acuarela sobre papel en el cual desaparecen las figuras de los hombres y algún que otro elemento. El bodegón pasa de estar en el centro a estar en un primer plano.
Finalmente en el cuadro se representan cinco mujeres y un bodegón compuesto por una raja de sandía, un racimo de uvas, una pera y una manzana.
De las cinco mujeres hay que destacar que las que están situadas a la derecha, la de detrás de ella y la de la izquierda, tienen caras especiales, como si fuesen máscaras pintadas en sus rostros. Las dos mujeres del centro tienen más relación entre la cara y el cuerpo.
La mujer de la izquierda parece que está entrando en la habitación y la que se encuentra a su lado tiene una perspectiva bastante especial. La única figura sentada es la del margen inferior derecho, con una postura anatómicamente imposible. La mujer que está a su espalda parece correr una cortina. La mujer del centro levanta los brazos doblados por detrás de su cabeza.

martes, 22 de abril de 2014

El Profeta - Pablo Gargallo

Esta obra se corresponde con El Profeta , escultura de Pablo Gargallo(1881-1936).Sin lugar a dudas Pablo Gargallo fue el creador de la escultura hueca o de vacío, anticipándose con sus premisas de trabajo al mismo Julio González. Aunque alternó el clasicismo modernista de sus numerosas academias, sin embargo se abrió pronto, a una manera de hacer vanguardista que pasa por el cubismo y entra de lleno en el expresionismo.

 Sus piezas tienen dos rasgos fundamentales: esquematismo y simplicidad. Sus obras, asombrosamente logradas, dibujan perfiles cóncavos y convexos en el aire, con apenas unas líneas, cuyo soporte material son tan solo varillas curvadas o planchas de bronce o de hierro que se ensamblan con perfección. Estas leves varillas y chapas metálicas ensambladas son suficientes para dar corporeidad y volumen a todo un mundo de siluetas y figuras llenas de belleza y esquemática sensibilidad. Sus obras son también una síntesis conceptual que parece nacer a la vanguardia con el primer cubismo para consolidarse después y terminar ofreciéndonos el mejor de los mundos expresionistas.

Gargallo trabajó con todo tipo de materiales: el mármol, la piedra, la madera, el cartón; pero sobre todo se expresó a través del hierro y del bronce, sin olvidar el barro, en el que modeló gran parte de sus ideas (dadas las penurias económicas que le acompañaron gran parte de su vida). Su mundo artístico más sólido, y lo que se han llamado sus etapas más definidas, pertenecen al cobre y sobre todo al hierro.
 Gran Profeta fue sin duda su obra más ambiciosa y de más larga elaboración ya que existe un dibujo o boceto de esta obra que está fechado en 1904, cuando sin embargo el Profeta no se fundió en material definitivo hasta 1933, cuyas dimensiones fueron 2,35 m de altura.Fue expuesto por primera vez en Nueva York para la exposición de Brummer, pero llegó tan sólo a ella como una copia en yeso compacto que el mismo Gargallo patinó imitando al bronce.
Se trata de una escultura de gran tamaño, fundida en bronce, aunque algunas veces se diga que es hierro forjado, a partir del ya aludido modelo de escayola. Existen siete ejemplares numerados, tres pruebas de artista numeradas también y un HC, es decir, un hors de commerce.
 El gran profeta es la culminación de la segunda etapa del artista o época del cobre, donde prefiere las superficies cóncavas, es decir, aquellas con curvas hacia adentro, valorando el hueco, la falta de materia y el vacio.
 La figura del profeta representa a un hombre barbado, enjuto, recio que infunde temor. Sus piernas son fuertes y están separadas dando una sensación de fortaleza y estabilidad, sus largos pies parecen asirse fuertemente a la tierra que pisa. El profeta alza el brazo derecho hacia el cielo, en un gesto de aviso o de amonestación no exento de cierta ira. Lleva una vara en el brazo izquierdo como parece que llevaban algunos de los profetas menores, entre ellos Oseas o Jonás. Los volúmenes interiores parecen terminar la figura, redondeándola, sugiriendo misteriosas intenciones del escultor. Es sin duda, junto con el Urano, también del año 1933, el cénit, la cumbre creativa del escultor. A propósito de ello el artista escribió a su marchante Berheim esta corta nota que transcribimos en la que indica lo contento que está con su propio logro:
“Acabo de concluir algo que quizás le interese. Es de bastante importancia. Creo haber hallado el camino de mi tranquilidad estética, aunque no sea el camino de la tranquilidad material, ya es algo en estos tiempos que corren”.

La copia 1-3 está milagrosamente en Zaragoza tras numerosos avatares, a los que se impuso el empeño inteligente de Federico Torralba. Hoy esta pieza es propiedad de la Diputación de Zaragoza, y la podemos contemplar y sobrecogernos ante su presencia, en el patio central del Museo de Zaragoza. Un día pudo ser nuestro, gracias a su viuda, con tan sólo pagar los gastos de fundición "y no se hizo", luego fue mucho más costoso conseguirlo

lunes, 21 de abril de 2014

Muerte de Marat.

La muerte de Marat (1793), es una pintura de estilo neoclásico en óleo sobre lienzo. Es obra de Jacques-Louis David.
Esta pintura es conservada en los Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas, Bélgica.

En esta pintura podemos observar como la luz es natural y bastante débil guardando relación con el tema de la obra y que produce sensación de frío. Hay que destacar que predomina la gama de colores fríos, lo cual también guarda relación con el tema de esta pintura. El volumen de las figuras hace que aparezcan algunas sombras.
David es un autor que busca volumen y solidez, pintando como si se tratase de una escultura. Guarda las mismas características de las esculturas ejemplificadas en Cánova, pudiéndose aplicar estas a la pintura.
Los temas que representa suelen tener una simbología aplicable a la época.

David pinta a su amigo Marat en el momento de su muerte. En ese momento el personaje representado estaba escribiendo con lo cual, podemos ver que el brazo que utilizaba ha caído y que la cabeza se desplaza suavemente hacia atrás. Los labios expiran el último suspiro. En la otra mano sujeta un papel en el que puede leerse una fecha y alguna que otra frase. También se puede ver como en el cajón que utiliza como mesa hay una dedicatoria del autor a su amigo Marat.
Por último, destacar el puñal caído en el suelo con el que ha sido asesinado el personaje.

El Neoclásico es un arte de la Revolución. Es heredado de la Ilustración y rechaza el arte anterior como propio del Antiguo Régimen. Así pues, el Neoclásico es un arte uniforme y con modelos universales.
Hay un triunfo de las formas clásicas, se incluyen restos arqueológicos... Esto último provocará el fin del estilo cuando la curiosidad lleve a estudiar formas no tan ''clásicas'' en el arte romano, griego y otros períodos; esto daría paso al Romanticismo con el neogótico.